„Co-Creators“ gesucht für MediaTech SPRINT 2024!

Der diesjährige MediaTech SPRINT findet am Dienstag, 24. September in Potsdam-Babelsberg statt. In dem eintägigen interdisziplinären Innovationsworkshop entwickeln vier Unternehmen/Start-ups aus der audiovisuellen Branche, die „Challenge Owners“ praktische Lösungen für konkrete geschäftliche Herausforderungen. Dabei werden die Unternehmen von einem interdisziplinären Team aus sogenannten „Co-Creators“ unterstützt, die ihre Expertise aus verschiedenen Geschäftsfeldern einbringen.

Wer als Co-Creator an dem kostenlosen Innovationsworkshop teilnehmen möchte, kann sich ab sofort bis 15. August 2024 bewerben. Der Workshop findet in englischer Sprache statt. Am Vorabend (23.9.2024) gibt es ein Kennenlerntreffen. Zudem erhalten alle Teilnehmenden ein kostenloses Ticket für die MediaTech Hub Conference am 25. und 26. September 2024 in Potsdam.

SPRINT Beispiele aus den letzten Jahren:

Challenge Owner waren u.a. die Vertragsplattform Connie aus Dänemark, die Metaverse-Lösung VYVYT aus Deutschland und das Karlovy Vary International Film Festival aus Tschechien. Der MediaTech SPRINT wird vom Creative Europe Desk Berlin-Brandenburg in Zusammenarbeit mit mehreren europäischen Creative Europe Desks organisiert. Mit dabei ist auch der Creative Europe Desk München. Gastgeber ist die MediaTech Hub Conference.

Was ist Heimat? Diese Frage haben (sich) schon Viele gestellt. Wobei einem diese Frage interessanterweise meist dann erst in den Sinn kommt, wenn man diese verloren hat oder die Heimat auf irgendeine Art bedroht sieht. Für Siegfried von Vegesack traf zeitweise beides zu. Der 1888 im ehemaligen Livland geborene, deutsch-baltische Schriftsteller verließ 1912 seine erste Heimat und lebte nach Stationen in Heidelberg, Berlin und München von 1918 an in Weißenstein, einem Ortsteil von Regen im Bayerischen Wald. Was Heimat ist? Eine poetische Antwort formulierte Vegesack 1932 in seinem Roman Das fressende Haus: „Heimat ist allüberall, wo Wälder im Winde wehen, wo auf dem Erdenball Liebende unter flammenden Sternen stehen.“ Oder etwas prosaischer: „Heimat ist nirgends und überall.“

Der letzte Satz stammt nicht aus dem Roman, sondern aus dem 360-Grad-Film Flucht in die Wälder von Emil Spiewok. Auch dort spricht ihn der von Robert Mika verkörperte Siegfried von Vegesack. Danach holt der mit Hut, Rucksack und Wanderschuhen bekleidete Schriftsteller eine Hakenkreuzflagge von einem Mast auf der Burgruine Weißenstein ein, drückt sie einem jungen Mann in die Hand und geht davon. Davor konnte man in dem etwas mehr als 20 Minuten dauernden Film eine Art Bewusstseinswandel oder das Reifen einer Entscheidung bei von Vegesack erleben. Dieser lebt mit seiner Familie im ehemaligen Getreidespeicher neben der Burgruine, als im Jahr 1933 dort die Nationalsozialisten aufmarschieren. Vegesack zieht los in den Wald, um seine Seele von dem Spuk zu heilen. In der Nacht kommt es dort zu einer schicksalhaften Begegnung mit einem Fremden.

Was nach dem Entfernen der Flagge geschieht, erfährt man im Film nur in ein paar Sätzen. Siegfried von Vegesack kommt vorübergehend in Schutzhaft und vollendet in kurzer Zeit seinen bekanntesten Roman Blumbergshof, den ersten Teil seiner Baltischen Tragödie. Und das ist genauso wie das Herunterholen der Nazi-Flagge auch tatsächlich so passiert. Auch die Begegnung mit dem Fremden, einem Geflüchteten aus Böhmen, in der Nacht, könnte so passiert sein. Genau weiß man das nicht. „Diese Selbstfindung, diese Entscheidungsfindung-Story, die ist historisch nicht bewiesen“, erzählt der in Regen, München und Seoul lebende Regisseur Emil Spiewok am Telefon. Und dass die Geschichte auf einer Erzählung von Vegesack beruht. Diese heißt wie der Film Flucht in die Wälder und ist in einem Sammelband mit zwei anderen Geschichten zu finden.

Wobei der Film, dessen Produktionskosten vom FilmFernsehFonds Bayern gefördert wurden, deswegen keine Literaturverfilmung ist. So spielt die Erzählung im Gegensatz zum Film im Winter. Und im Vorwort des im Verlag Morsak Grafenau erschienen Bandes heißt es zwar, dass die Geschichte „eigene Erlebnisse des Autors“ enthält. Aber so manches könnte auch ein Traum, eine Fiktion sein, wie es im Text heißt. Hinzukommt, dass im Film auch noch Zitate aus anderen Texten des Autors auftauchen. Wie etwa am Anfang, wo Robert Mika ein Gedicht von Vegesack rezitiert. „Wir haben das ein bisschen gemixt“, sagt Spiewok, und dass es um das sehr aktuelle Thema Flucht gehe. Darum, „an einen fremden Ort zu kommen“. Und die Frage: Was macht einen fremden Ort lebenswert?

Als Fremder, Eigenbrötler, als „g’spinnater Baron“ wurde Siegfried von Vegesack lange auch im Bayerischen Wald wahrgenommen. Manche sahen ihn ihm einen Naturapostel oder weltfremden Eremiten. Für Spiewok ist der 1974 auf Burg Weißenstein verstorbene Schriftsteller aus verschiedenen Gründen eine spannende Figur. Dazu gehört zunächst mal, dass Spiewok selbst in Weißenstein aufwuchs und als Kind an der Burgruine gespielt hat. Hinzu kommt Vegesacks rebellischer Geist, die Tatsache, dass er 1926 am ersten Paneuropa-Kongress in Wien teilnahm und sich auch sonst als überzeugter Europäer zeigte. Außerdem baute er 1924 neben der Burg ein Windrad zur autarken Stromgewinnung. „Im Dorf hatte aber irgendwie keiner Interesse daran“, so Spiewok. Als Kleinstlandwirt und Selbstversorger setzte sich der Schriftsteller zudem für den Naturschutz ein.

Die erste Idee zum Film hatte Spiewoks Bruder Otto, der bei Flucht in die Wälder hinter der Kamera stand. Ein weiterer Anstoß für das Projekt war der Umstand, dass die Dauerausstellung im Museum im „Fressenden Haus“, wie von Vegesack den ehemaligen Getreidespeicher nannte, im Umbau war. Was die Chance bot, den Film „dauerhaft an die Öffentlichkeit zu bringen“, wie der Regisseur erzählt. Genau das ist seit Mai auch Realität. Im dritten Obergeschoss des „Fressenden Hauses“ kann man sich den Film über eine 3D-Brille ansehen, umgeben von Hörstationen, Fotos, Büchern, Dokumenten und skurrilen Objekte aus dem Nachlass der Familie von Vegesack. Im Juni wurde der Film zudem auf mehreren Festivals gezeigt und er hat bei den Milan Independent Awards sowie auf dem Prague Actors and Filmmakers Festival und dem Buffalo Roots Film Festival in Rom jeweils den Award als „Best Virtual Reality“ gewonnen.

Auch sonst seien die Reaktionen, dort, wo er diese mitbekommen hat, „sehr toll“ gewesen. „Ich bin auch glücklich, dass so viel auf den Inhalt eingegangen worden ist“, so der 36-Jährige. „Weil ich sehr oft die Erfahrung mache, dass die Leute bei meinen Projekten immer über die Technik reden“. Zu den VR-Projekten, die er mit seiner 2015 gegründeten Firma Vtopia 360 dreht, gehören vor allem Werbe-, Image- oder Lehrfilme. In Kooperation mit FilmCrew Media aus München hat er aber auch die 2019 fertiggestellte, kürzlich beim Dokfest München gezeigte VR-Dokumentation Crossing Borders über einen Motorradtrip durch Südostasien gemacht. Solche freien Projekte sind natürlich schwieriger zu finanzieren. Vor allem ein Museums- und Festival-Film, der keine großen Erlöse verspricht. Für Spiewok war aber wichtig: „Wir wollten das unbedingt professionell durchziehen und den Leuten eine entsprechende Gage zahlen.“

Dazu gehörte wie gesagt der von TV-Produktionen wie Nackt unter Wölfen bekannte, deutsch-polnische Schauspieler Robert Mika. Aus dem Baltikum hätten sie leider „niemanden gefunden“. Und jemand von den anderen Schauspielern brachte dann, so Spiewok, Mika ins Spiel, der einen osteuropäischen Akzent und zudem eine „ausdrucksstarke Stimme“ hat. Neben einzelnen bekannteren Schauspieler*innen waren aber vor allem regionale Akteur*innen und Laien beteiligt, darunter Mitglieder der Festspielgemeinschaft Kötzing und die frühere Regener Theatergruppe „Schwarzer Leberkaas“. Diese Verortung in Regen, im Bayerischen Wald war Spiewok wichtig. Schließlich war es der Ort, wo Siegfried von Vegesack seine zweite Heimat fand und später zum anerkannten Ehrenbürger wurde. Und es ist auch der Ort, wo man im „Fressenden Haus“ derzeit täglich von 9 bis 16.30 Uhr Flucht in die Wälder sehen kann.

Eingeladen hatte der FFF Bayern die XR Branche anlässlich des Festivals der Zukunft, das wieder von 1E9 und Deutschem Museum an der Isar veranstaltet wurde. Zugegen waren neben dem Who is who der XR-Szene auch Mitglieder der verschiedenen FFF Vergabeausschüsse, der LfA Förderbank Bayern, der HFF München und Macromedia Hochschule für Kommunikation und der LMU. Auch Repräsentanten von Google und Apple TV+ Germany waren anwesend und vernetzten sich mit den Kreativen. Die Teams der preisgekrönten geförderten Projekte Duchampiana und Emperor erzählten von ihren Erfahrungen auf dem internationalen Parkett- sowohl mYndstorm productions als auch Reynard Film haben die Jurys von Venedig über Austin, Thessaloniki bis Rotterdam überzeugt und große Preise gewonnen. Zwar seien die Herstellungsverfahren im noch jungen XR-Bereich noch nicht so etabliert, dafür seien die Projekte experimentell und innovativ, so FFF Geschäftsführerin Dorothee Erpenstein in ihrer Rede. Auch das Thema Distributionswege sprach sie an: Große Konzerne entwickeln Technologien, durch die XR auch in der Breite erlebbar werden wird. Gleichzeitig würden XR-Experiences an einem anderen Schauplatz immer sichtbarer: bei Filmfestivals, die kuratierte Reihen anbieten. Aus dem Grund bietet der FFF Bayern der XR-Branche nicht nur eigene Netzwerkveranstaltungen an, sondern bringt sie auch bei anderen Gelegenheiten mit Filmschaffenden und Festivalmacher*innen zusammen.

Herausgeber: FilmFernsehFonds Bayern GmbH – Presse und Information
Fotos: Andreas Büttner
Gestaltung: Schmid/Widmaier

Storybook Studios kann Produktionen unterstützen, mit Mood-Trailern oder mit KI-generierten Settings, die auf Virtual Production Stages eingespeist werden. Hauptziel ist das aber nicht. „Wir wollen mehr als schöne Bilder generieren, wir sehen uns nicht als KI-Department oder Ersatz für VFX in der Produktion“, sagt Franziska Hansel. Wir verstehen uns als Studio, das Filme, Serien – Entertainment im weitesten Sinne – produziert. Wir wollen Geschichten erzählen.“ Die sollen bei Storybook Studios an erster Stelle stehen. „Wir wollen unterhalten, nicht dafür, dass es mit KI generiert wurde, sondern obwohl“, sagt Bozesan. „Wir arbeiten zufällig mit KI, weil es schnell ist und gut funktioniert.“

Im Realfilm stoßen Text-to-Video-KI-Generatoren noch an Grenzen. Wenn man im Seeress-Trailer genau hinguckt, sieht man, dass die Flammen zu statisch lodern und die unscharfen Kanten geben Szenen mit Menschen eine Videospiel-Optik. „Noch können wir keine Menschen synthetisch erstellen, die einen ganzen Film lang kontrolliert interagieren“, sagt Hansel. Bis zu zehn Sekunden, schätzt sie, seien möglich. Stand jetzt, in ein paar Wochen kann das schon anders aussehen.

Animationsserien und -filme dagegen lassen sich schon in beeindruckender Qualität umsetzen. In den vergangenen Monaten hat Storybook Studios eine Animationsserie für Kinder im Vorschulalter entwickelt. Space Vets soll sie heißen und von einer Gruppe von Tierärzt*innen handeln, die selbst teilweise Tiere sind und durchs Weltall fliegen, um Missionen zu erfüllen. Die Charaktere designte der Regisseur Sebastian Ungrad mithilfe von KI, das Raumschiff der Space Vets wurde klassisch 3D-modelliert. Ein fünfköpfiges Team und die Autorin erstellten innerhalb von 60 Tagen eine Pilotfolge. Für einen Animationsfilm ist das unfassbar schnell. „Der deutsche Film wird oft belächelt, weil oft die gleichen Geschichten erzählt werden, und weil man sich so wenig traut“, sagt Hansel. „Das liegt aber natürlich an den extrem kleinen Budgets. Mit KI können wir mit gleich vielen Leuten viel größere Geschichten erzählen und die Produktionszeiten erheblich verkürzen.“

KI beschäftigt die Branche wie kaum ein anderes Thema derzeit. Schauspieler*innen und Synchronsprecher*innen, Cutter*innen und Kostümbildner*innen fragen sich, wie neue Technologien ihre Arbeit verändern. Bei der Berlinale im Februar war KI Thema, zuletzt gab es beim Filmfest München mehrere Veranstaltungen zur Bedeutung von Künstlicher Intelligenz für die Fernseh- und Filmbranche. Die HFF München veranstaltet im November ein öffentliches KI-Symposium, dort gibt es schon seit 2022 einen Lehrstuhl für KI in der Medienproduktion.

Hansels Hoffnung ist, dass Künstliche Intelligenz die Branche demokratisieren wird. „Durch KI können wir Ideen schneller und besser umsetzen“, sagt sie. „Wir brauchen nicht mehr fünf Jahre für eine Idee, sondern setzen in fünf Jahren zehn oder zwanzig Ideen um.“

Herr Kreuzer, Sie waren in diesem Jahr mit „Rumours“ außer Konkurrenz im Wettbewerb von Cannes vertreten. Erstmal Herzlichen Glückwunsch!

Danke!

Wie haben Sie von der Einladung erfahren?

Es war ein ziemliches Hin und Her. Zuerst gab es eine Einladung zu einer Nebensektion. Unser Ziel war, bei dem Package mit Cate Blanchett, das Hauptprogramm. Am Ende hat das glücklicherweise auch geklappt. Die nächste Hürde war, den richtigen Termin zu finden: nicht zu früh, aber auch nicht zu spät, vor allem aber noch am ersten Wochenende. Es wurde dann am Ende nach weiterem Gezerre das Grand Lumière am Samstag um 22 Uhr. Besser hätte es nicht sein können, gerade für eine Komödie. Nun mussten wir nur noch den Film fertigmachen, das war knapp und das DCP kam – wie früher die Filmrollen – gerade noch rechtzeitig.

Seit wann besuchen Sie das Festival de Cannes?

Erschreckend lang…so in etwa seit einem Vierteljahrhundert.

Dieses Mal war es sicher ziemlich anders.

Ja, abgesehen von kleineren Koproduktionen war es mein erster eigener Film im Hauptprogramm.

Was gab es drumherum für Termine?

Das offizielle Programm ist streng geplant. Zusammen mit den Presseterminen dreht sich drei bis vier Tage lang alles um den Film.

Wie liefen die Vorbereitungen ab?

Neben der Terminierung war für uns wichtig,  dass unser Cast der G7 Staatschefs möglichst vollständig anwesend sein sollte. Mit einer Ausnahme ist uns das auch gelungen. Ganz wichtig war die Wahl der richtigen Presseagentur. Das erste Budget versetzte uns in Schockstarre. Es gelang uns dann aber doch, hier und da zu reduzieren und das ganze mit Hilfe der Partner zu stemmen.

Welche Resonanz haben Sie international erfahren von Seiten der Branche?

Der Film war bereits vor dem Festival gut verkauft worden.

Und von Seiten der Presse?

Die Reaktionen der Presse waren fast ausschließlich gut. Sicher waren wir uns nicht, denn Komödien haben es in Cannes nicht immer leicht. Aber der Film triff einen Nerv in diesen bewegten politischen Zeiten, auch wenn es gerade kein politischer Film ist und es auch nicht sein soll.

Ist Cannes also nach wie vor die beste Bühne für so einen Film?

Jedes der großen drei A-Festivals in Europa hat Stärken und Schwächen. Cannes schafft es, nicht zuletzt mit seinem Roten Teppich, eine exklusive Plattform zu bieten und jedem Filmemacher die absolute Wertschätzung zu vermitteln. Die Titel laufen bis zum Ende durch, und das Publikum hat ausreichend Zeit zu applaudieren. Alles konzentriert sich nur auf den Film und die Filmemacher*innen.

Wie kam es überhaupt zum Projekt Rumours? Wie genau ist maze daran beteiligt? Wer sind die anderen Partner?

Ich lernte die Regisseure Guy Maddin, Evan Johnson und Galen Johnson im Rahmen eines anderen Projekts kennen und schätzen. Während sich dieses andere Projekt in der Finanzierung schwieriger gestaltet hat, kam sie mit der G7-Komödie auf mich zu, und ich war sofort dabei. An Cate Blanchett hatten wir zu dem Zeitpunkt als deutsche Kanzlerin noch gar nicht gedacht. Wir sind in die Entwicklung eingestiegen, haben den Film gemeinsam finanziert. Die großartige Avy Kaufmann machte das Casting, im Team haben wir mit Kameramann Stefan Cziupek und Kostümbildnerin Bia Daigeler großartige Talente aus Deutschland. Kristian Eidnes Andersen – bekannt aus den Filmen von Lars von Trier – machte die Musik. Telefilm Canada war der erste wichtige Partner, Protagonist stieg in den Vertrieb ein, Ari Aster und Lars Knudsen von Square Peg wurden Produktionspartner, Elevation aus Kanada und Plaion aus Deuschland die lokalen Verleiher. Erfreulich ist auch, das ZDF/ARTE sich als Koproduzent beteiligte. Einfach war die Finanzierung dennoch nicht, wir hatten mit diesem komplexen Besetzungsensemble ein sehr enges Zeitfenster, und es gab es Rückschläge, vor allem bei der Förderung. Die hohe Zahl der Executive Producer sagt alles. Mit der Beteiligung von Bleeker Street in den USA, dem Gap-Finanzier Orogen und Equity von Minnow konnten wir die Finanzierung erst während des Drehs schließen. Das Risiko war enorm. Als Maze Pictures haben wir in Europa die gesamten Dreharbeiten verantwortet, die Post-Produktion erfolgte in Canada mit unserem Koproduktionspartner Buffalo Gal, die bereits viele von Guy Maddin’s Filmen produziert haben.

Wie haben Sie Cate Blanchett dafür gewonnen?

Regisseur Guy Maddin und Cate Blanchett kannten sich von der Berlinale 2007. Das war lange her, unter anderem mit Hilfe von Ari Aster und seinem Produzenten Lars Knudsen hatten wir einen direkten Kontakt. Sie liebte das Drehbuch und es war schnell klar, dass wir den Film zusammen machen.

Haben Sie Tipps für die jungen Produktionstalente, wie ein solches Projekt am besten angegangen wird?

Choose your partner wisely und early, ausreichend Zeit für die Finanzierung, bereit sein für Rückschläge und Risiko, und nie das Buch aus den Augen lassen. Für viele Stars ist der entscheidendere Faktor, sich an Projekten zu beteiligten, die außerhalb des Studiosystems entstehen.

Herausgeber: FilmFernsehFonds Bayern GmbH – Presse und Information
Redaktion: Dr. Olga Havenetidis
Gestaltung: Schmid/Widmaier

Lieber Ingo Fliess, das waren ja mit Sicherheit eineinhalb aufregende Jahre für Sie. Haben Sie, als Sie erstmals mit dem Projekt Das Lehrerzimmer zu tun hatten, vor sich gesehen, was kommen würde?

Nicht im entferntesten. Noch vor der Premiere auf der Berlinale 2023 haben wir verzweifelt einen Weltvertrieb gesucht, zunächst wollte den Film niemand haben, es hieß er habe „no international potential“. Insofern ist alles, was seitdem passiert ist, ziemlich märchenhaft.

Das Lehrerzimmer war nach Es gilt das gesprochene Wort Ihre zweite Zusammenarbeit mit İlker Çatak, momentan arbeiten Sie mit dem Autor und Regisseur an Gelbe Briefe. Wie kam es zu Ihrer Verbindung?

Ich unterrichtete damals gelegentlich an der Hamburg Media School, wo İlker Regie studierte. Er fiel mir auf, in seiner engagierten und zugleich demütigen Art, zugleich schien er wirklich zu brennen für Film. Wir blieben in Kontakt und verabredeten ein gemeinsames Filmprojekt, noch bevor er den Student Academy Award für Sadakat bekam.

Insofern ist alles,
was seitdem passiert ist, ziemlich märchenhaft.

Es gab für Das Lehrerzimmer eine Einladung nach Toronto, Ihr Team und Sie wollten aber lieber zur Berlinale. Warum?

Es war eine strategische Entscheidung für das Festival mit dem stärkeren Markt. Im Nachhinein die richtige Entscheidung.

Wie hat sich der Erfolg beim Deutschen Filmpreis 2023 auf Sie als Independent-Produzent ausgewirkt?

Die Preisgelder haben sehr geholfen den nächsten İlker-Çatak-Film zu finanzieren, überhaupt gab es viel Rückenwind. Und die Kinozahlen sind stark gestiegen nach dem Lola-Wochenende.

Gibt es Tipps, die Sie durch die Erfahrungen in diesem internationalen Preis- und Nominierungssegen, an die jungen Talente weitergeben würden?

Ein amerikanischer Manager, mit dem ich darüber sprach, sagte zwei schlaue Dinge, wie ich fand. Auf meine Frage, was ich jetzt ändern solle, meinte er „You have to protect the process“, also die Arbeitsweise schützen, die uns so weit gebracht hat. Und: „Educate the industry“, also nicht nach dem Markt schielen, sondern Filme und Serien entwickeln, mit denen das Publikum nicht rechnet.

Wie geht es mit if… Productions weiter? Behalten Sie Ihre Linie bei, oder nehmen für Sie bisher ungewöhnliche Projekte an?

Wir versuchen vor allem das Niveau und die Budgets zu halten und zu steigern. Am Ende geht es ja doch nur um Qualität. Durch die neue Zusammenarbeit mit Trimafilm wagen wir uns aber jetzt auch in den Serienbereich vor.