Mit dem im November 2024 eingeführten Respect Code Film will die Filmbranche einen Kulturwandel schaffen. Der Code definiert Standards für den respektvollen Umgang in allen Phasen einer Filmproduktion. Doch Leitlinien allein schaffen noch kein Vertrauen. Aus diesem Grund hat Fair Play Film und Kultur 2025 die Rolle der Vertrauensperson entwickelt. Sie ist extern, neutral und unabhängig.

„Im Prinzip ist diese Weiterbildung zur Vertrauensperson, die wir in Kooperation mit der Produktionsallianz Campus aufgesetzt haben, ein Instrument, um Menschen aufzuklären, ihnen Mut zu geben, Vorfälle, die nicht in Ordnung sind zu melden und das Schweigen nach und nach zu brechen“, sagt Christine von Fragstein. Die Kulturmanagerin und systemisch-integrativer Coach arbeitet selbst als Vertrauensperson. Zusammen mit Thomas Biniasz, Psychologe und Lehrcoach, leitet sie Fair Play Film und Kultur. Beide kennen die Branche und auch die Filmproduktionen. Die Vertrauensperson sorgt für eine gute Arbeitsatmosphäre und bietet ein Gespräch mit Vertraulichkeitsvereinbarung in einem komplett geschützten Raum an. Nach vielen Gesprächen mit Filmproduktionen, der Themis und Anwält*innen aus dem Bereich Arbeitsrecht haben sie eine Definition für die Rolle von Vertrauenspersonen erarbeitet, auf der die Weiterbildung fundiert. Sie klärt im Sinne des/der Betroffenen über Handlungsoptionen auf. Sie ist Ansprechperson rund um Arbeitsbedingungen und Übergriffen in der Filmproduktion und Kulturbranche. Sie ist keine Anwält*in, keine Rechtsberater*in, keine psychologische Stelle, sondern ein neutraler Raum mit Lotsenfunktion, wo sich Betroffene hinwenden können, bevor sie zum Arbeitgeber geht.

Die Vertrauensperson soll am Set eine externe, unabhängige Anlaufstelle bilden. Sie steht in der Stabsliste und wird idealerweise durch die Leitung des Warm-Up persönlich eingeführt. Das soll Vertrauen schaffen und eine unabhängige Beratung gewährleisten. Wie ein*e Lots*in ist sie diejenige Person, die die Informationen der betroffenen Person aufnimmt und einordnet: War das Verhalten okay oder nicht? Was war das für ein Übergriff? Wie ist das einzuordnen? Anschließend berät sie zu weiteren Handlungsschritten. Denn wer zum Arbeitgeber geht, setzt direkt den üblichen Beschwerdeprozess in Gang. Viele Leute scheuen vor den möglichen Konsequenzen der Sachverhaltsaufklärung zurück. In Abgrenzung zur Themis, die als Vertrauens- und Beschwerdestelle für sexuelle Übergriffe in der Medienbranche fungiert, ist die Vertrauensperson für jegliche Form von Vorfällen zuständig, sei es Diskriminierung, Rassismus oder verbale Übergriffe.

Die Notwendigkeit einer neutralen Anlaufstelle für Betroffene ist Christine von Fragstein im Gespräch mit verschiedenen Produzent*innen klar geworden. Zwar gibt es an einigen Sets sogenannte Awareness Teams, doch ein richtiger Standard hat sich in Europa bisher nicht etabliert. Dies soll sich nun ändern:
Um die Rolle in der Branche zu verankern, hat Fair Play ein zertifiziertes Weiterbildungsprogramm ins Leben gerufen – praxisnah und speziell auf die Herausforderungen der Film- und Kulturbranche zugeschnitten.

Unterrichtet wird von einem interdisziplinären Team: Psychologische Grundlagen vermittelt von Thomas Biniasz, Coaching-Methoden bringt Christine von Fragstein ein. Arbeitsrechtler*innen der Kanzlei VCVF führen in juristische Fragestellungen ein und Themis Expert*innen klären über sexuelle Belästigung auf. Besonderes Augenmerk liegt auf der Sensibilisierung für die Lebensrealitäten marginalisierter Gruppen, denn diese sind am häufigsten betroffen. Diversity- und Inklusionsberater*innen rücken Themen wie Sprache und diskriminierungsfreie Kommunikation in den Fokus.

Die Idee fällt auf fruchtbaren Boden: Große Unternehmen haben den Respect Code bereits in Ihre Arbeitsverträge aufgenommen. Filmhochschulen und die öffentlich-rechtlichen TV-Sender verpflichten sich zur Einhaltung. „Wir glauben, dass gute Zusammenarbeit am Ende auch Geld spart, Konflikte spart und es am Ende mehr Spaß macht, zusammenzuarbeiten“, so Christine von Fragstein.

Auch der FFF Bayern unterstützt die Ausbildung nach Förderzusage, darunter Melina Hess und Alexandra Hajok. Ein Instagram-Post machte Alexandra Hajok von Crew United auf Fair Play aufmerksam, daraufhin entschied sie sich dazu, die Weiterbildung zur Vertrauensperson anzugehen. Hajok hat nicht nur selbst bereits einiges an Beratungserfahrungen sammeln können, sondern kennt auch Situationen, in denen eine dritte, neutrale Partei als Support hinzugezogen werden musste. „Die Rolle der ‚Vertrauensperson‘ gab es an sich ja schon, nur gab es dafür bisher nicht wirklich eine genaue Definition“, erklärt sie. Die Fortbildung bei Fair Play umfasst sechs Module, von denen Hajok bereits an zwei teilgenommen hat. Die Inhalte umfassen unter anderem juristischen Grundlagen, Methoden zur Konflikteskalation, sowie das Üben an Praxisbeispielen. Zudem arbeiten die Teilnehmer*innen auch zwischen den Modulen als Lerngruppen eigenständig an der Verankerung der Inhalte. Für Alexandra Hajok ist es wichtig, dass sich die Vertrauensperson zukünftig nicht nur als anerkannter Beruf durchsetzt, sondern auch, dass sie ein selbstverständlicher Part eines jeden Filmsets sein wird. Außerdem soll die Arbeit der Vertrauensperson nicht mit dem letzten Produktionstag vorüber sein, sondern auch darüber hinaus weitergehen, bis ein Fall abgeschlossen ist. „Mit dieser Weiterbildung legen wir den ersten Grundstein für die Zukunft des Films,“ sagt Alexandra Hajok stolz.

Ungefähr 2002 in Berlin: ich war an der SFOF – damals eine Kameraschule in Berlin – eingeladen, um meinen ersten Langfilm Mein Bruder der Vampir zu zeigen. Als Motivation vielleicht, oder ich weiß eigentlich gar nicht, warum.

Es waren interessierte Studenten und wir hatten eine nette Gesprächsrunde. Ich war ja nur wenige Jahre älter als die Studenten. Eine Studentin ist vorgeprescht und hat mich angesprochen, weil sie im Rahmen der Kameraschule als Regisseurin einen Kurzfilm mit dem Titel Lucie & Vera verwirklichen wollte. Ich sollte sie und ihren Kameramann, der mit ihr zusammen studierte, beraten. 

Ich hab später gemerkt, wie typisch das für Julia ist – wenn sie eine Idee hat, verfolgt sie die mit allen Mitteln – auch wenn die Umstände manchmal gar nicht so optimal sind.

Weil ich in Berlin auch ziemlich lost war – ich war gerade aus Ludwigsburg hergezogen – habe ich mich sehr über diese Aufgabe gefreut.

Glücklicherweise ist Julias Kameramann ausgefallen  – er wurde mit einem Praktikumsplatz nach Südafrika gelockt. Also fragte Julia mich, ob ich nicht als Kamerafrau einspringen würde. Es gab ein kleines Budget, und ich war natürlich hocherfreut, weil ich den Stoff auch sehr spannend fand.

Die Dreharbeiten waren ganz schön wild: Wir haben in einem Hochhaus ohne Strom, also auch ohne Lift, gedreht, Julias Mann John war als absolut toller Szenenbildner mit dabei und hat uns auch den Dolly über den Balkon mit einer Seilwinde hochgezogen. 

Julia war schwanger und war am Drehort im 11. Stock gefangen, weil sie den Weg nur ein Mal am Tag hoch- und runtergehen konnte. Marie Luise Schramm war als „Lucy“ schon dabei. 

Wir haben den Dreh gut überlebt und der Film hat einige schöne Preise gewonnen.

Lucie & Vera war die Ideenskizze für Julias ersten Langfilm Was am Ende zählt.

Das war vor 22 Jahren!
Was folgte kann man gut nachlesen, ich sags aber trotzdem: 

Der Deutsche Filmpreis „Bester Kinder und Jugendfilm“ für Julias Debütfilm, ein Film im Oscar-Rennen und vorher im Hauptwettbewerb in Venedig, baeyrische Film- und Fernsehpreise (ich weiß gar nicht, wie viele), eine wilde Serie, die am Stück zu Weihnachten in der ARD ausgestrahlt wurde, ein historischer Film mit dem Kamerakonzept eines französischen Gefängnisfilms und so weiter.

Wir haben fünf Filme und eine Serie zusammen gemacht, und vielleicht wollen jetzt alle wissen: Wieso klappt das so gut?

Wir waren in Israel, Polen, Ungarn, Mannheim und Friedrichsroda, in Kreuzberg und noch an vielen anderen Orten. Wir sind sicher 27 mal nachts um 4 zusammen zum Nachtdreh los oder vom Nachtdreh heimgekommen, haben vielleicht 1001 Szenen zusammen aufgelöst. Früher am jeweiligen Küchentisch und jetzt oft per Zoom, wo wir uns ab und zu zurufen: „Oh, jetzt kommen die Kinder, ich muss noch was kochen“ – „Oh ja, ich auch, aber die letzten zwei Einstellungen sind eh klar:“ Wir haben quasi einen ganzen WhatsApp-Kanal mit hin- und hergeschickten Frame Grabs, Mood Bildern und visuellen Fundstücken, die das Konzept des jeweiligen Projekts definierten und die Julia am Set immer vorzeigt als Erinnerung an das, was uns wichtig ist. Und immer der wichtige Moment am Set: der Blickwechsel nach dem „Danke, aus“, die Rückversicherung „War das gut? Brauchen wir noch eine?“

Julia, ich kenne keinen Menschen, der so hart arbeitet wie Du und alles trotzdem so leicht aussehen lässt. Ich weiß, dass Dir das wichtig ist, und es gelingt Dir auch! Dir ist nie etwas zugeflogen, du hast immer ungewöhnliche Entscheidungen getroffen und bist bis zum Letzten dahinter gestanden.

Nun ist wieder alles offen: Das Arthaus Kino-Segment, in dem wir oft gearbeitet haben, ist stark herausgefordert, aber Du hast vorgesorgt und auch sehr kommerzielle Projekte gemacht und Deine Fühler ins Ausland ausgestreckt. Und Du hast diesen unbändigen Mut, alles zu wagen!

5 Filme in 22 Jahren mit Themen quer durch den Garten – ja, warum klappt das so gut? Ich glaube,  weil wir einander zuhören.

Herr Gröner, Frau Weigl, morgen startet das Festival of Future Storytellers. Wie geht es Ihnen?

JULIA WEIGL
Wir können nicht erwarten, endlich loszulegen. Und freuen uns wahnsinnig auf die vielen Begegnungen und unsere Gäste!

CHRISTOPH GRÖNER
Und natürlich sind wir total gespannt, wie die ganzen Neuerungen und Veränderungen bei unseren Gästen, der Branche und unserem Publikum ankommen. Da sind wir immer etwas gespannt, aber vor allem ready to go!

Ihr Festival-Büro ist umgezogen, von der Sonnenstraße an den Pineapple Park. Wie hat sich das auf die Arbeit und das Team ausgewirkt?

CHRISTOPH GRÖNER
Zwar gehören Umzüge zum Kerngeschäft eines Festivals, wenn wir an unsere vielen Umzüge in und aus den unterschiedlichen Festivalzentren denken. So ein richtiges neues Büro für das gesamte Team ist allerdings schon eine andere Aufgabe. Zumal wir das erste Mal seit Ende der Neunziger ein neues Zuhause beziehen. Tapetenwechsel für den Teamspirit! Das tut uns allen gut, es fühlt sich jetzt mit dem Beginn der nächsten fünf Jahre als Leitungsduo an wie ein Neubeginn.

JULIA WEIGL
Mit dem Pineapple Park sind wir an einen wunderbaren kreativen Ort gezogen, den Michi Kern und sein Team, allesamt Zwischennutzungsprofis, in München gefunden haben. Mit Blick auf Alpen und Olympiapark wollen wir in dem alten Bürogebäude der deutschen Post kreative Werkstattatmosphäre mit guten Arbeitsbedingungen kombinieren. Denn nun ist das komplette Filmfest- und FOFS-Team gemeinsam auf einem Stockwerk in einem Gebäude. Da sprudeln die Ideen und Inspirationen nur so. Das haben wir in der Vorbereitung des Festivals gemerkt, und jeden Tag findet man im Büro an jeder Ecke ein neues schön gestaltetes Detail.

Weitere fünf Jahre gemeinsam als Leitungsduo: Was das für das Filmfest München bedeutet, haben Sie ja in verschiedenen Interviews, auch in der Film News Bayern, erläutert, und wir konnten es in der Edition 2025 erleben. Wie wirkt sich Ihr neuer Rückenwind nun auf das Festival of Future Storytellers aus, das ebenfalls von Ihnen als Festivaldirektor und Künstlerischer Leiterin gestaltet wird?

CHRISTOPH GRÖNER
Wir gehen alle Projekte mit dem gleichen Gedanken an: Was braucht ein Festivalkonzept für heute und morgen. Wir wollen nicht stehenbleiben, sondern im Einklang mit dem Team die Festivals immer weiterentwickeln, um unser Publikum zu erreichen, stetig zu erweitern – und immer wieder mit Kino zu begeistern.

JULIA WEIGL
…und natürlich steht auch das FOFS ganz im Zeichen von Kooperationen. Wir arbeiten mit unterschiedlichen Institutionen zusammen, um audiovisuelles Erzählen aus unterschiedlichen Perspektiven zu erörtern. So greifen wir gemeinsam mit dem CreatifCenter der HFF München das Thema Games auf, mit dem FFF Bayern, dem Festival der Zukunft und dem XR Hub Bavaria die Welt von XR und VR, mit dem KI-Lehrstuhl der HFF München und der Kunsthalle München das Thema Künstliche Intelligenz und Zukunft. In unseren Talk und Lab Formaten erweitern wir also den klassischen Kurzfilm um weitere Formen des audiovisuellen Erzählens.

Seit einem Jahr hat das legendäre Münchner Festival der Filmhochschulen, das bis zuletzt Filmschoolfest hieß, einen neuen Namen. Wieso?

JULIA WEIGL
Wir hatten die Neuausrichtung des Festivals bereits in den letzten beiden Jahren mit neuen Ideen und Initiativen vorbereitet – und jetzt sind wir stolz, dass wir so richtig loslegen können mit dem neuen Namen und dem neuen Branding. Filmhochschulen und Ausbildungsprozesse haben sich in den letzten Jahren stark verändert, ebenso die technischen und innovativen Möglichkeiten audiovisuellen Erzählens. All das wollen wir bei unserer wichtigen Plattform für den Filmnachwuchs nicht außenvorlassen, sondern mit in den Kern des Festivals rücken.

CHRISTOPH GRÖNER
Mit der Neupositionierung als FOFS – Festival of Future Storytellers, als Festival der Inspiration und der jungen Filmkreativen ist ja genau diese Hoffnung verbunden: Die Öffnung des Festivals zu anderen Orten wie dem Theatiner Kino und über den studentischen Film hinaus soll weitere Cinephile anlocken, die einfach junge Kreativität erleben wollen. Auch ohne konkrete Erwartung an die Form werden sie sicher mit vielen positiven Überraschungen belohnt. Deshalb stellen wir auch im Vergleich zum Einzelticket besonders günstige Festivalpässe in den Vordergrund – wir wollen, dass die Menschen nicht zu einem Screening gehen, sondern so oft wie möglich eintauchen in die Festivalerfahrung. 

Welche Länder haben 2025 besonders viele Projekte eingereicht?

CHRISTOPH GRÖNER
Wir haben aus sehr vielen Ländern Einreichungen bekommen, und wie immer entscheidet eine Vorauswahljury über die Struktur des Programms, in der diesmal tolle Expertise aus den USA, der Dominikanischen Republik und Ghana zusammenkam. Dazu kommt ja der DACH-Wettbewerb mit unseren jungen Kurator*innen. Im ganzen Programm ist also der junge Blick der Filmschaffenden noch einmal durch das Prisma junger Kuration gefiltert. Die Setzungen sind spannend – natürlich politisch, mitunter widerständig und aktivistisch. Wie jedes Jahr beschäftigen sich auch in dieser Edition die jungen Kreativen mit den Herausforderungen, aber auch Chancen, die unsere Welten und ihre Realitäten ihnen bieten. Das ist aufregend für uns und hoffentlich für unser Publikum.

JULIA WEIGL
Was uns auch sehr freut, wir konnten in diesem Jahr erstmalig eine Kooperation mit dem Locarno Film Festival eingehen. Wir präsentieren das Kurzfilmprogramm ihres Open Doors Programms, das Locarno Pro seit 2003 veranstaltet. Von 2025 bis 2028 wird dort der Fokus auf den afrikanischen Kontinent gelegt, und diesen Stimmen wollen wir bei unserem Festival auch einen Raum geben.

Welche Filmhochschulen sind in diesem Jahr mit vielen und qualitativ herausragenden Beiträgen vertreten?

JULIA WEIGL
Für uns geht es nicht darum, eine oder wenige Filmhochschulen explizit hervorzuheben. Es geht vielmehr darum, die Kreativität der vielen unterschiedlichen Filmhochschulen auf der ganzen Welt ins Zentrum zu rücken und den Dialog der vielen Studierenden durch ihre wunderbaren Filme. Höchstspannend ist es, dass im diesjährigen Programm gleich sieben Filme aus Lateinamerika vertreten sind, vier darunter aus Kuba. Auch unser DACH-Wettbewerb hat sich toll entwickelt, mit vier Filmen aus der Schweiz, zwei aus Österreich und 19 Filmen aus Deutschland. Im gesamten Programm sind vier deutsche Koproduktionen und sechs Beiträge von der HFF München dabei.

Hochschulen allgemein sind heute noch stärker als in der Vergangenheit Orte der politischen Auseinandersetzung geworden. Wie greifen Sie das im Rahmenprogramm und in der Kommunikation auf?

CHRISTOPH GRÖNER
Wir nennen unser FOFS ein Festival der Inspiration – und das meint ganz schlicht: Brücken bauen. Wir werden in unserer Arbeit immer das Gemeinsame betonen, die conditio humana, die Fähigkeit, auch bei unterschiedlichen Haltungen, einander zu hören und in den Austausch zu gehen. Das ist natürlich in den aufgeladenen, komplexen Zeiten, in denen wir heute leben, nicht immer leicht.

JULIA WEIGL
Hochschulen bleiben ein Ort für kreativen Austausch, auch heute. Da geht es natürlich vorrangig vor allem um kreative Freiheit und Meinungsfreiheit. In Zeiten von Politisierung und Zuspitzungen, Social Media und verschwimmenden Grenzen von Öffentlichkeit und Privatem spitzen sich die Diskussionen auch an diesen Orten zu. Wir wollen aber nicht vergessen, dass Bildungseinrichtungen, ob Universitäten oder Kunsthochschulen per se eine Einladung zum kritischen Denken und Hinterfragen sind, also ein offener Raum, sich intellektuellen und kreativen Auseinandersetzungen zu widmen. Das gilt es auch im Hier und Jetzt zu schützen, aber immer im Blick auf ein zugewandtes Miteinander. Dazu wollen wir unser Publikum einladen, diese Haltung verkörpern wir. 

Und zum Schluss: Was wünschen Sie sich künftig für das Festival of Future Storytellers?

JULIA WEIGL
Uns ist es wichtig, die Ursprünge und Bedeutung des Festivals in die Zukunft zu tragen. Wir wollen weiterhin eine zentrale nationale und internationale Plattform für den Filmnachwuchs bleiben.

CHRISTOPH GRÖNER
Bei uns soll das Münchner Publikum und die Branche die Talente von morgen ganz früh entdecken. Wir wünschen uns deshalb volle Kinos und tolle Inspirationen, wie das Kino der Zukunft aussehen kann. Und grundsätzlich wünschen wir uns eine optimistische Stimmung, wie wir diese Zukunft gemeinsam gestalten können.

Wer heute Kunst sehen will, muss in München nur ins nächste Museum gehen. Ein Luxus. Nur unter Corona war genau das nicht mehr möglich. In der Folge wurden die Menschen in die virtuelle Welt geschickt. Ins „Second Life“. Zu Google Arts & Culture. Oder in die Online-Viewing-Rooms, die für die Art Basel entwickelt wurden. Da gab es dann Kunst. Aber das oft nur als Fotos und meist noch verpixelt. „Die Qualität war meistens schlecht“. So hatte es auch Annabell Vacano damals empfunden. Die junge Münchnerin und ausgebildete Geigerin hatte da noch BWL an der LMU studiert. Und Atopia lag da noch ein Stück weit in der Ferne. Im Jahr 2023. Da hat sie ihr Virtual-Reality-Startup zusammen mit Valentin Diehl gegründet. Ihre Idee: Kunst auf eine Art in virtuelle Welten zu überführen, dass sie dort zum Erlebnis, zu einem echten Mehrwert wird.

Spricht man Annabell Vacano auf Corona an, dann sieht sie die Pandemiezeit tatsächlich als wichtigen Markstein. Als einen „Umbruch in der Kulturindustrie“, wie sie am Telefon erzählt. Weil dadurch „viele Museen einfach angefangen“ hätten, mit Virtual Reality zu experimentieren. Aber der konkrete Anstoß für Atopia, verrät sie, war ein anderer. Und zwar die Veröffentlichung des VR-Headsets Meta Quest 2 (früher Oculus Quest 2), das das private Abtauchen in virtuelle Welten erschwinglich gemacht hat. Für Atopia braucht man so ein Headset. Aber auch mit einem PC oder Notebook kommt man über die Website atopia.space hinein. Was aber nicht so eindringlich gerät. Weil die Immersion, das wirkliche Raumempfinden fehlt.

Die Grundlage dafür ist ein bereits bestehendes 3D-Modell der Stadt München. „Wir bauen das zu einer digitalen Kunstplattform um und schaffen daraus eine digitale Ausstellungsfläche, auf der dann Kunstinteressierte aus München, aber auch aus anderen Orten diese Public-Art-Experiences erleben können.“ Für Vacano ein tolles Projekt. Aber zugleich auch eines, das Aufmerksamkeit schafft. „Wir haben dadurch tatsächlich ein paar Kunden bekommen.“ Für mehr Aufmerksamkeit dürfte aber ein anderes, frisch abgeschlossenes Projekt sorgen.

„Wir haben mit einem der größten Museen der Welt über die letzten Monate zwei ganz tolle Ausstellungen gebaut“, erzählt Vacano. Gemeint sind damit die immersiven Erlebnisse Dendur Decoded und Oceania für das Metropolitan Museum in New York. „Das sind Formate, die sind zum ersten Mal virtuell so möglich. Unter anderem stellen sie ihre ozeanische Sammlung in einem ozeanischen Garten dar.“ Wie es dazu kam? „Ich habe die tatsächlich auf LinkedIn angeschrieben. Und das Schöne war: Die haben gerade genau so etwas gesucht und hatten das Gefühl, dass alle bestehenden Plattformen wie Spatial oder Roblox nicht geeignet sind, um Kunst so darzustellen, wie es Kuratoren gerne machen.“ Mit Atopia ging das. Auch weil das Museum sich als „aktiver Entwicklungspartner“ beteiligt hat. So hat sich das Ganze für beide Seiten als Glücksfall entpuppt. Und als weiterer Markstein in der jungen Atopia-Geschichte.

Die legendäre Baobab-Baum-Allee, bunte Chamäleons und der einzigartige Kalksteinspitzenwald: In diese überwältigende Bilderwelt Madagaskars taucht man gleich zu Beginn des dritten Checker Tobi-Films ein, der am 8. Januar 2026 in die Kinos kommt. Zwar hätte der Dreh auf dem Inselstaat vor der afrikanischen Südostküste sein Team vor so manche Herausforderung gestellt, erzählt Oliver Gernstl, Geschäftsführer der Münchner megaherz Film- und Fernsehproduktion. Oft mussten sie große Distanzen überwinden, um zum nächsten Drehort des politisch instabilen Landes zu kommen. Doch gelohnt hätte es sich auf jeden Fall allein wegen der faszinierenden Natur und den tollen Begegnungen, die das dokumentarisch arbeitende Team unterwegs machte. An Drehorten wie diesen habe sich bewährt, dass das Team klein ist und sich gut kennt: Die Besetzung von maximal acht Leuten ist seit dem ersten Checker Tobi-Film fast unverändert.

Die heimliche Herrscherin der Erde heißt der dritte Teil, bei dem Antonia Simm die Regie übernahm. Das Projekt begann dramatisch, da Johannes Honsell, der beim zweiten Checker-Film Regie geführt hatte und auch für den dritten Teil vorgesehen war, im Herbst 2023 plötzlich verstarb. Simm, die zum festen megaherz-Team gehört, übernahm und stellte das Projekt innerhalb weniger Monate auf die Beine. Wie in den beiden Vorgängerfilmen gibt es auch diesmal eine fiktionale Rahmenhandlung, die Tobi Krell auf eine Reise schickt. Dieses Mal ist es ein zeitreisendes Kind – Tobis Kindheits-Ich. Es stellt seinem älteren Alter-Ego die berechtigte Frage, ob er denn überhaupt noch ein richtiger Checker oder schon ein langweiliger Erwachsener sei. Denn leider kann sich Tobi nicht mehr an seine allererste Checker-Frage erinnern. Und diese Tatsache ärgert ihn so sehr, dass er sich in guter alter Abenteurer-Manier (mit witziger Indiana Jones-Aufbruchsequenz als Schmankerl für das erwachsene Publikum) auf den Weg macht. Von Madagaskar, wo die Brandrodungen ihre Spuren hinterlassen ins Erdinnere zum Samentresor nach Spitzbergen bis hin zu den Maya-Pyramiden nach Mexiko beschäftigt Tobi die Frage, wer die mächtigsten Spuren im Erdreich hinterlässt.

Dabei lernen die Zuschauer*innen die Biologin Hanitra kennen, die Tobi die Giraffenhalskäfer zeigt, den Geologen Malte, der erklärt, welche gesellschaftlichen Auswirkungen der Klimawandel eigentlich so hat. Und den Archäologen Nico, der sympathisch vermittelt, dass so ein Forscher*innen­dasein zum großen Teil auch darin besteht, geduldig Schicht für Schicht abzutragen und weiterzumachen, bis mal ein großer Fund auftaucht. Dass in den Filmen immer echte Expert*innen vorkommen, die sich in ihrem Gebiet wirklich auskennen, ist Gernstl und seinen Kolleg*innen bei megaherz äußert wichtig. „Der DNA unserer Sendung und auch der Filme wohnt schon immer noch ein sehr starker journalistischer Anspruch inne.“ Lieber zeigen als sagen, sei die Devise, so der Produzent: „Wir versuchen nicht mit dem erhobenen Zeigefinger um die Ecke zu kommen und zu erklären, hier ist jetzt unsere Botschaft. Sondern im Idealfall zeigen wir echte Situationen mit echten Menschen, die tatsächlich vor Ort sind.“ Obwohl das Dokumentarische überwiegt, sind die Checker-Filme im Gegensatz zu den einzelnen Checks eine Mischform mit fiktiven Elementen. Oder wie der megaherz-Geschäftsführer es formuliert: „Es sind Dokumentarfilme, in denen die Wirklichkeit einen kleinen Schubser kriegt, damit sie gut fürs Kino funktioniert.“

Natürlich trägt Tobi Krell, der selbst Reporter ist, einen entscheidenden Anteil am Erfolg. Seit zwölf Jahren gibt es die Checker-Tobi-Sendung schon. Den Wunsch, aus diesem Format irgendwann einen Kinofilm zu machen, hätten sie schon lange gehabt, sagt Gernstl. Die megaherz, die ihre Expertise im Bereich Kinderfernsehen mit Dingsda und Zapp! Zarapp! seit den Achtzigerjahren kontinuierlich ausbaut, produzierte Anfang der 2000er die Sendung Willi wills wissen und 2009 auch den FFF-geförderten Kinofilm Willi und die Wunder dieser Welt. Der lief überraschenderweise so gut, dass die Produktionsfirma annahm, dass das Checker-Format auf der großen Leinwand beim jungen Publikum ebenso gut ankommen könnte. Als der sympathische Reporter Krell sattelfest und die Marke etabliert war, wagte die megaherz 2019 den ersten Checker-Film. „Und wenn man einen erfolgreichen Kinofilm mit einer langlaufenden Reihe hat, die weiterhin auf Sendung ist und alle irgendwie Spaß an dem Film hatten, lag natürlich die Überlegung nahe zu sagen, wir machen weiter“, so Gernstl. 

Zusammen mit dem Bayerischen Rundfunk als Koproduktionspartner wissen Gernstl und sein Team mittlerweile recht gut, was Kinder gerne anschauen und wie man auch die Erwachsenen unterhält, ohne dabei zu langweilen oder allzu moralisch zu werden. Und wer könnte das besser beurteilen als einer, der mit sieben Jahren selbst für die Produktionsfirma als Dingsda-Kind im Einsatz war, um in Fritz Egners Show Begriffe wie „Wetterfrosch“ zu erklären. Das Wichtigste sei vor allem, die Kinder ernst zu nehmen und schwierige Themen nicht zu scheuen, sagt der megaherz-Geschäftsführer: „Man kann es Kindern durchaus zutrauen, über Klimawandel, Flüchtlingskrise oder Bitcoin zu sprechen, wenn man es so erzählt, dass sie es dann auch verarbeiten können.“ Natürlich ist bei einem Kinofilm mit 90 Minuten die Dramaturgie entscheidend. Auch wenn die Aufmerksamkeitsspanne erwiesenermaßen bei etwa drei Minuten liege, müsste trotzdem nicht ständig ein Gag nach dem anderen kommen, so Gernstl: „Wir haben nicht zuletzt mit den Filmen bewiesen, dass das nicht sein muss. Und dann fängt es auch an, den Eltern Spaß zu machen.“

Ob das Checker-Format vielleicht auch irgendwann mal langweilig werde? Seiner Meinung nach könne es immer so weitergehen, sagt Gernstl. „Wenn man sich die alten Folgen anschaut, dann merkt man, dass das Format gepflegt und weiterentwickelt wird, weil es inzwischen anders aussieht und anders erzählt wird. Wir versuchen, modern zu bleiben.“ Das müssen die Sendungsmacher*innen auch, schließlich haben sie nicht eine Zielgruppe, die sich einmal für die Reihe entscheidet und dann ein Leben lang Checker Tobi schaut, sondern nach ein paar Jahren aus dem Format rauswächst und neue Sehgewohnheiten entwickelt. Genau das beschreibt Gernstl als Herausforderung: „Mit Kindern als Fans müssen wir unsere Zielgruppe immer wieder neu für uns gewinnen. Andererseits haben wir es natürlich auch ein bisschen einfacher dadurch, weil bis wir denen langweilig werden, sind sie schon nicht mehr unsere Zielgruppe.“

Die Checker Tobi-Fangemeinde erstreckt sich in etwa von den sechs- bis zu den 12-Jährigen. Aber Tobi würde natürlich schon hin und wieder auch noch von 16-Jährigen auf der Straße erkannt und angesprochen, erzählt Gernstl. Die fänden das dann schon auch noch cool, ihr Idol aus der Kindheit live zu sehen. Genau deshalb ist der Produzent der Meinung, dass es noch länger so weitergehen kann mit der Reihe, wenn sie alle sich weiterhin bemühen, die Sendung frisch zu halten. Eine dieser Erneuerungsmaßnahmen heißt Checkerin Marina. Seit Oktober 2023 ist die Moderatorin mit an Bord und sorgt auch für die weibliche Repräsentation im Kinderwissens-Kosmos. Sie ist anders als Tobi Krell gelernte Schauspielerin und eignet sich nach und nach auf ihre Art das Format an. Das interessante sei, dass man an den Einschaltquoten der Einzelfolgen keinen Unterschied in der Beliebtheit zwischen Tobi und Marina feststellen könne, so Gernstl. Auf dem YouTube-Kanal hätte Tobi in Summe schon noch mehr Klickzahlen, das liege aber natürlich daran, dass er 200 Sendungen Vorsprung hat.

Weil es mit Checkerin Marina so gut läuft, ist sein Team bei megaherz und Bayerischen Rundfunk schon mitten in den Überlegungen für einen Kinofilm mit der quirligen Moderatorin. Nicht nur vor, sondern auch hinter der Kamera werden die Schlüsselpositionen beim Film zunehmend von Frauen ausgeführt. Beim dritten Checker Tobi-Film waren bereits Regie, Drehbuch und Produktion weiblich besetzt, was der megaherz Filmproduktion einen Gender Incentive für das Folgeprojekt mit Checkerin Marina einbrachte. Das neue Förderinstrument des FFF Bayern soll für mehr Gleichberechtigung in der Filmbranche sorgen. Auch wenn Gernstl noch keine Details verraten möchte, erzählt er von der groben Idee für den geplanten Kinofilm mit Checkerin Marina: „Nachdem wir jetzt die letzten drei Filme über Wasser, Luft und Erde gemacht haben, kann man sich denken, dass es im vierten ums Feuer gehen wird.“ Checker Tobi wird im Film auch vorkommen und es wird mystisch und sagenhaft zugehen. Sarah Müller, die schon seit über 12 Jahren zum megaherz-Team gehört, wird die Regie übernehmen.

Die wichtigste Lektion des dritten Checker-Films hat das megaherz-Team auf jeden Fall verinnerlicht: Am Ende kommt es drauf an, die richtigen Fragen zu stellen und was man auf dem Weg lernt.

Der Hase Felix gehört zu ihrer großen Familie, Prinzessin Lillifee, der Mondbär, Drache Kokosnuss und Ritter Rost ebenfalls. Die Münchner Produzentin Gabriele M. Walther ist mit ihrer Caligari Film eine der ersten Adressen, wenn es um Animation geht. Walther steht als Produzentin auch hinter dem TV-Dauerbrenner Hausmeister Krause – Ordnung muss sein mit Tom Gerhardt und als Koproduzentin dem Endzeit-Epos Hell, dem ersten Kinofilm von Regisseur Tim Fehlbaum (September 5). Nun wurde Gabriele M. Walther mit dem von der Produktionsallianz und der Stadt Laupheim verliehenen Carl Laemmle Produzenten­preis geehrt, weil sie sich laut Jury „nicht nur durch ihre kreative Kraft, sondern auch durch außergewöhnliche unternehmerische Risikobereitschaft“ auszeichne.

Die beiden FFF-geförderten Kinofilme, die in Venedig laufen, haben es nicht in den Wettbewerb geschafft (Strange River der bayerischen Firma Schuldenberg Films, wurde in die Reihe Orizzonti geladen, Cotton Queen, erster Langfilm einer sudanesischen Regisseurin, koproduziert von der Münchner Firma Strange Bird, läuft in der Settimana Internazionale della Critica). Sehr wohl aber drei der sechs bayerischen XR-„Experiences“ in die begehrte XR-Konkurrenz. Und ein weiteres Projekt war ins „Biennale College“ für Newcomer aufgenommen worden. Out of Nowhere von der österreichischen Regisseurin Kris Hofmann und ihrem Dachauer XR-Produzenten Richard Pusch von SpecStudio macht greifbar, was geschieht, wenn ein Fluss über die Ufer tritt. In der 10-minütigen Kreation ist es die Salzach, die die Stadt Hallein verwüstet. Der Betrachter steht dabei mit beiden Beinen scheinbar mitten im Wasser und kann mit einem Handstreich Bäume wachsen und Häuser untergehen lassen. Großes Kino ist das noch nicht, aber Naturkundemuseen sind heute schon Abnehmer für solche Arbeiten.

Zumindest in Europa stoßen die fertigen Produkte aber weiterhin auf ein veritables Problem, das auch in Venedigs altem Lazaretto offenkundig ist: Es können immer nur sehr wenige Menschen und oft nur einer nach dem anderen XR-Filme sehen. Die dafür meist nötigen Brillen sind immer noch klobig. Wer eine optische Brille braucht, ist sowieso so gut wie raus. Und auch wenn gelegentlich zusätzliche Sensoren die Handgesten des Betrachters abtasten und deren Bewegungen in die virtuelle Welt spiegeln: mit einem sich frei bewegen auf einer Art „Holodeck“ hat das noch lange nichts gemein. Außerhalb Europas boomt das XR-Geschäft trotzdem. Und so begründet der FFF sein Engagement auch. „Wir dürfen den Anschluss nicht verlieren“, sagt Max Permantier, Förderreferent für XR beim FilmFernsehFonds Bayern. „Internationale Produktionsfirmen dieser Technologien sollen sich auch in Bayern ansiedeln. Nur so wächst auch das Knowhow.“

Eine nächste Stufe könnte sich der Förderung von passenden Abspielstätten widmen. Herkömmliche Kinos kämpfen hierzulande ums Überleben. Immersive Ausstellungen aber boomen. Die Menschen scheinen also offen zu sein, für diese Welt der neuen Möglichkeiten. Das spektakulärste Unternehmen, das auf XR zielt, wurde in den USA vor gut einem Jahr eröffnet: die gigantische Hohlkugel „The Sphere“ in Las Vegas. In ihrem Inneren befindet sich eine 360-Grad-LED-Projektionsfläche. Dazu hat sie ein Fassungsvermögen von mehr als 20 000 Menschen. Kostenpunkt: 2,3 Milliarden Dollar, eine gigantische Investition, die davon zeugt, welche Profite man sich in diesem Segment künftig ausrechnet. Aber es geht auch kleiner: In Asien, etwa in Korea, Japan und China fassen die boomenden „Immersive Hubs“ 200 bis 300 Personen. Das ist eine Größenordnung, bei der ehemalige Kinosäle ins Spiel kommen. Es wäre nicht zum ersten Mal, dass ein solcher Digitalisierungsprozess mithilfe staatlicher Gelder vollzogen wird. Vor gut zehn Jahren wurden sämtliche Kinos in Bayern auf digitale Projektion umgestellt. Seither sind analoge Filmrollen Museumsstücke. In Venedig ist das nicht anders.

Herausgeber: FilmFernsehFonds Bayern GmbH – Presse und Information
Text: Pascal Wagner
Redaktion: Olga Havenetidis
Gestaltung und digitales Storytelling: Schmid/Widmaier