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„Drei Dinge sind wichtig für einen guten Film: 1. Drehbuch, 2. Drehbuch, 3. Drehbuch.“ Das Zitat wird Billy Wilder zugeschrieben, dem genialen Regisseur und Autor von Klassikern wie Manche mögen’s heiß. Es wurde zu einem geflügelten Wort in der Branche. Die Wege zum guten Drehbuch freilich sind vielfältig. Seit Neuem wird eine Abkürzung angeboten: KI. Die Künstliche Intelligenz spuckt auf Bestellung in Minuten aus, wofür der Mensch Tage, Wochen, Monate braucht: Einen Text, der wirkt wie ein gut strukturiertes Drehbuch.

„Eine KI kann noch nicht ein Drehbuch schreiben“, sagt Robert Krause, der an der Münchner Hochschule für Fernsehen und Film (HFF München) Kreatives Schreiben unterrichtet. „Ich habe mich ein Jahr lang mit dem KI Prompting von einem Drehbuch beschäftigt. Die KI ist noch nicht in der Lage, das zu machen. Es ist viel zu komplex.“

Krause doziert nicht nur, er schreibt auch. Mit den Co-Autor*innen Elena Hell und Andreas Gutzeit schrieb er die Drehbücher für vier Staffeln der von Story House Pictures produzierten Serie Sisi (RTL+, Regie: Sven Bohse, Miguel Alexandre, Andy Fetscher). Der ARD-Film 3 1/2 Stunden (Regie: Ed Herzog, Produktion: Real Film Berlin, Amalia Film), ausgezeichnet mit dem Bernd Burgemeister Fernsehpreis, entstand nach einem Drehbuch von Krause und Beate Fraunholz. Und für die erste Staffel der von der Ufa produzierten ARD/Degeto-Serie Unsere wunderbaren Jahre (Regie: Elmar Fischer) verfasste Krause die Drehbücher mit Florian Puchert.

Gemeinsam mit Puchert verbreitet Krause seine Drehbuchlehre auch außerhalb der HFF München. Die Online-Kurse ihres „Club23“, angeboten von der im oberbayerischen Miesbach sitzenden Deutsche Drama GmbH, sollen dabei helfen, ein gutes Buch zu schreiben. Auch erfahrene Autor*innen nutzten das Angebot, wie Krause berichtet. Nun hat er etwas Neues entwickelt: Einen Chatbot, spezialisiert auf Drehbuch-Entwicklung. „Wir wollten einen Bot schaffen, der die Kreativität der Schreibenden unterstützt. Eine KI, die ihnen helfen soll, ihre Kreativität zu entdecken und zu entfalten. Eine KI, die arbeitet wie eine Muse oder wie ein Coach. Was wir nicht wollten, ist eine KI, die die Kreativität übernimmt.“

Den Chatbot taufte Robert Krause „Robob“, eine Wortschöpfung aus Robot und Bob (= Robert). Ab Frühjahr 2026 gehört Robob zu den Instrumenten des „Club23“. „Man ist verführt, sich Text von der KI schreiben zu lassen und promptet dann mehr herum, als dass man kreativ ist. Wir wollten nicht, dass da irgendeine weitere KI-Suppe raus spült. Wir wollten, dass Leute Lust auf den kreativen Prozess bekommen. Dass sie in einer Atmosphäre landen, in der sie merken, da kommen ganz neue, ungewohnte Sachen aus ihnen selbst heraus. Wir haben uns gefragt, wie können wir KI benutzen, dass nicht der Mensch der Maschine dient, sondern die Maschine dem Menschen? Das war der Paradigmenwechsel, den wir wollten.“

Für die Recherche des Film News Bayern-Autors schaltete Krause eine Vorab-Version von Robob frei. Die funktioniere zwar noch nicht hundertprozentig so, wie sie soll, sagt er. Sie ist aber schon recht beeindruckend. Erste Überraschung: Robob trägt nicht nur einen an Krause angelehnten Namen, Robob spricht auch mit Krauses Stimme, die er von einem KI-Programm clonen ließ. Nun die Probe aufs Exempel.

Zwei Dinge fallen auf. Erstens: Der Chatbot weiß Dinge über unseren prominenten Protagonisten, die wir ihm in unserem Dialog nicht verraten haben. Er weiß sie, weil er nicht nur auf das Lehrprogramm des „Club23“ zugreift, sondern auch auf das Large Language Model (LLM) Gemini (von der Google-Mutterfirma Alphabet), das das Wissen der Welt aufgesaugt hat, genau wie andere LLMs wie etwa ChatGPT. Zweitens: Robob weiß viel, hat gute Ratschläge, schreibt aber nicht.

Robert Krause: „Wenn du Robob sagst, schreib mir einen Roman wie Sebastian Fitzek, dann sagt er, das mache ich nicht. Ich helfe Dir aber, den Roman zu schreiben. Robob hilft dir herauszufinden, welches die richtige Hauptfigur ist, die richtige Perspektive. Eben wie ein Dramaturgie-Coach.“

Krause sieht den KI-Coach als zeitgemäße Verlängerung seiner Tätigkeit als Dozent. In seinen drei Feldern – HFF München, Club23, Robob – verfolgt er eine Philosophie, der vermutlich nicht alle in der Branche zustimmen. „Wir sollten diesen in Deutschland vorherrschenden Genie-Kult überwinden. Die Maxime, man kann es oder man kann es nicht, Talent entscheidet alles. Das sehe ich sehr kritisch, weil ich ich glaube, es geht nicht darum, dass alle ein Meisterwerk schaffen. Wir maßen uns nicht an zu entscheiden, wer Talent hat. Schreiben ist zu 80 Prozent Handwerk, als Prozess ist es erlernbar und kann auch etwas unheimlich Bereicherndes sein.“

Wenn es stimmt, dass das Schreiben eines Drehbuchs erlernbar ist, dann kann das vermutlich auch die KI lernen. Nach der Lehre von Robert Krause genügt das erlernte Schreib-Handwerk für 80 Prozent der Arbeit. Für die fehlenden 20 Prozent braucht es immer noch einen klugen Kopf. Wenn es gut läuft, hilft ein Chatbot wie Robob den Erzählern von heute und morgen dabei, ihr kreatives Chaos aufzuräumen und in sinnvolle Bahnen zu lenken.

Blinder Text

Herr Fliess, in Gelbe Briefe gerät ein türkisches Künstlerpaar in einem autokratischen System unter Druck und verliert seine Lebensgrundlage. İlker Çatak hat 2019 mit der Arbeit an dem Film begonnen, seither ist das Thema jenseits der Türkei ungleich relevanter geworden. Ist das Pech für die Welt und Glück für die Filmemacher?
Ingo Fliess: Wenn man das so zynisch sagen will: Ja. Wir haben uns zum Beispiel nicht vorstellen können, wie innerhalb eines Jahres eine der ältesten Demokratien der Welt, die USA, sich in eine Postdemokratie, eine Autokratie verwandelt. Wir hatten immer gedacht, der Film könnte obsolet sein, wenn er fertig ist. Dass das Gegenteil passiert ist, kann einen nicht freuen. Aber umso wichtiger ist, dass es den Film jetzt gibt.

Das Künstlerpaar muss sich zwischen Anpassung und moralischem Anspruch entscheiden. Beide gehen einen eigenen Weg – aber welcher der richtige ist, beantwortet der Film nicht eindeutig.
Komplexität ist ein hoher Wert, den wir in unserer Arbeit immer anstreben. Wir versuchen immer, dass man in unseren Filmen die Dilemmata, in die Menschen geraten, miterleben kann. Ich glaube aber, dass der Film viel mehr Antworten gibt als Das Lehrerzimmer. Gelbe Briefe geht viel weiter und hat einen dritten Akt, der eine Lösung für beide Figuren bedeutet – die ist allerdings zweischneidig und ambivalent.

Im Film stellen Berlin und Hamburg Istanbul und Ankara dar: Wie sind Sie auf die Idee dieses Verfremdungseffekts gekommen?
Wir haben das nicht gemacht, weil man den Film in Istanbul und Ankara nicht drehen könnte. Unser türkischer Co-Produzent hat gefragt: Wie wäre es, wenn wir die Orte einfach verlegen? Wir hatten schon nach den Gesprächen mit den möglichen Co-Produzenten auf der Berlinale 2022 das Gefühl, dass der Film in vielen europäischen und außereuropäischen Ländern verstanden wird. Das ist kein Film gegen oder ausschließlich über die Türkei. Dass er dort spielt, liegt an der Biografie des Regisseurs und Autors, der in Deutschland und der Türkei zu Hause ist. Es erschien uns reizvoll, dass wir vom Regionalen und Zeitpolitischen wegkommen und etwas Universelles erschaffen.

Sie zeigen aber nicht einfach Hamburg und Berlin, sondern haben dort nach visuellen Ähnlichkeiten zur Türkei gesucht.
Über weite Strecken des Films denkt man deshalb wahrscheinlich gar nicht darüber nach, dass wir nicht in der Türkei sind. Die Fähre im Hamburger Hafen sieht einer Bosporus-Fähre in Istanbul ziemlich ähnlich. Aber wir haben auch gezielt Brüche gesucht. Wir hatten Spaß daran, mit dem Verfremdungseffekt zu spielen.

Der Film ist auf Türkisch. Wie war es für Sie, einen fremdsprachigen Film zu produzieren?
Sehr herausfordernd und schwierig. Das geht nur mit unbedingtem Vertrauen zu dem Regisseur, der beide Sprachen perfekt spricht. Aber ich konnte ihm am Set nicht zur Seite stehen wie sonst. Und es war ein anspruchsvoller Prozess, das Team hinter den Film zu kriegen. Nur zehn Prozent des Teams kamen aus der Türkei. Für die Editorin Gesa Jäger und die Kamerafrau Judith Kaufmann war es eine besondere Herausforderung, auch wenn sie natürlich Übersetzer hatten. Und für İlker war es doppelte und dreifache Arbeit, weil er in mehrere Richtungen kommunizieren musste. Das war schon eine sehr abenteuerliche Art zu arbeiten.

Wieso haben Sie überhaupt auf Türkisch gedreht, wenn der Film einen universellen Anspruch hat?
Ein Film braucht eine Identität, einen eigenständigen Charakter, eine Herkunft. Wenn wir auf Deutsch gedreht hätten, wäre der Film eine Science Fiction geworden. Dann hätten wir uns den Vorwurf gefallen lassen müssen, dass wir in Alarmismus verfallen. Die Herkunft der Geschichte aus der Türkei – inspiriert durch die wahren Ereignisse und die Säuberungen, die dort bis heute stattfinden – gibt dem Film eine Kraft, die eine Science Fiction nie hätte.

Gelbe Briefe ist Ihr dritter Spielfilm mit İlker Çatak. Erinnern Sie sich an Ihre erste Begegnung?
Das war 2014 im Seminarraum der Hamburg Media School, wo ich ein Seminar gegeben habe. İlker ist mir positiv aufgefallen in seiner Mischung aus Neugier, großem, freundlichem Interesse und einer großen Portion Demut. Ich dachte: Der will es wissen – und gleichzeitig weiß er genau, wo er steht. Die Mischung fand ich faszinierend. Dann sind wir ins Gespräch gekommen und waren uns einfach auch sympathisch.

Ist es nicht auch leichter geworden, Geld einzusammeln?
Nein. Ich kriege vielleicht schneller einen Termin bei den Entscheidern. Aber uns werden nicht Koproduktionsbeträge nachgeworfen und mit der Förderung klappt es auch nicht automatisch. Das bleibt projektabhängig. Im kommerziellen Arthouse-Bereich ist es ganz schwer geworden, einen Film zwischen drei und sechs Millionen Euro zu finanzieren, der nicht auf einer Marke basiert. Und ein solches Budget braucht man für einen anspruchsvollen Filmemacher. Aber wir strengen uns weiterhin sehr an, Sachen zu machen, die die Welt braucht – und möglichst wenig von dem, was die Welt nicht braucht. Wir werden künftig mehr europäische Koproduktionen machen müssen.

Wie viel stressiger ist das für einen Produzenten?
Viel stressiger, aufwendiger, anspruchsvoller und komplizierter. Natürlich ist es jetzt nicht mehr so schwer, Filme mit İlker Çatak zu machen, aber unsere Arbeit besteht ja auch darin, andere Leute durchzusetzen. Zum Beispiel drehen wir demnächst den neuen Film von Berthold Wahjudi, einem fantastischen Talent, das gerade beim Torino Comedy Lab den Pitch Award gewonnen hat.

Mit İlker Çatak machen Sie auch weiter, oder?
Es ist keine Frage, dass wir weiter als Team arbeiten. İlker ist auch Gesellschafter der if… Productions, und solange wir uns gegenseitig stärker machen werden wir zusammenarbeiten. Auch unsere Partner im Ausland profitieren davon. İlkers Karriere wird sicherlich noch ganz woanders hingehen als meine, er ist 20 Jahre jünger. Aber ich werde nicht aufhören nützlich zu sein, um diese Karriere weiter zu befördern.

Wer in einer Diktatur lebt, der ist Terror und Propaganda ausgesetzt. Und nicht wenige reagieren darauf mit einem Rückzug ins Private. So hört man es zumindest immer wieder. Aber was ist, wenn das nichts hilft? Weil einen der offene oder schleichende Terror sogar in den privatesten Träumen verfolgt? Dass genau das während der NS-Diktatur geschehen ist, dafür gibt es Belege. Die Journalistin Charlotte Beradt hat sie in ihrem 1966  erschienenen Buch Das Dritte Reich des Traums gesammelt. Das heißt: 50 Träume, die von unterschiedlichsten Menschen, von der Putzfrau bis zum Fabrikbesitzer stammen. Diese zeigen: In einer Diktatur werden selbst die Träume zu einem Element des Terrors. Und das ist nicht nur in Nazi-Deutschland, sondern auch in UdSSR und im modernen Russland passiert. 

Letzteres wird in dem Fall nicht in dem 2016 noch einmal neu erschienenen, erschütternden Buch von Charlotte Beradt dokumentiert. Sondern in der FFF-geförderten Virtual-Reality-Experience Library of Dreams, die in Teilen auf Beradts Traumaufzeichnungen basiert. „Ich träumte, dass es verboten war zu träumen, aber ich tat es trotzdem.“ Dieser Satz wird auf der Webseite des Projekts zitiert, in dem wir in die Träume eines Kindes, eines sibirischen Bauers, einer Hausfrau und sechs weiteren Personen eintauchen können. Das heißt dann, wenn die VR-Experience fertig ist. Die Premiere soll im nächsten Sommer sein, beim Venice Immersive-Festival in Venedig, das parallel zu den Filmfestspielen stattfindet. 

So erzählt es Davide Cocchiara vom Nürnberger Studio Abduct Media, das auf die Entwicklung von Extended-, Virtual- und Augmented-Reality-Projekten spezialisiert ist und an der Produktion von Library of Dreams beteiligt ist. Weil das von Davide zusammen mit seinem Bruder Giovanni Cocchiara geleitete Studio damit in Bayern sitzt, war eine Förderung durch den FFF Bayern möglich. Und im vergangenen Juni hat Abduct Media auch einen Produktions-Zuschuss in Höhe von 60.000 Euro bekommen. Diese gehen nun in die technische Umsetzung, an der neben den Cocchiara-Brüdern und mehreren Freelancern das ebenfalls auf XR spezialisierte Yaga Studio aus Leipzig und noch ein weiteres Studio aus Israel beteiligt sind. 

Zentraler Kopf und die Ideengeberin hinter Library of Dreams ist aber die aus Moskau stammende, aktuell in Deutschland lebende, multidisziplinäre Künstlerin Jane Rzheznikova. Sie ist die Autorin und Direktorin des Projekts, das in einer ersten Fassung 2022 für das gemeinsame „Digital Autumn Educational Program“ der Less Media Group und des French Institutes entwickelt wurde. Hinter der Less Media Group steckt Alina Savelyeva, die ebenfalls russische, aber auch ukrainische Wurzeln hat. Und sie war es, mit der Abduct Media auf der „ArtTech Prize and Conference“ im Oktober 2024 in München in Kontakt kamen, wie Cocchiara erzählt. „Sie stand auf einer Bühne und stellte dem Publikum ihre XR-Designprinzipien und Vertriebsstrategien vor. Und wir fanden, dass sie perfekt zu unseren Überzeugungen in Bezug auf dieses Medium passte.“ 

Schon kurz darauf tauchten sie in die Details ihres inzwischen gemeinsamen Projekts ein. Bei dem sich, wie der 27-Jährige beim Video-Chat verrät, aber noch so einiges ändern wird. Und das betrifft unter anderem einen formalen Aspekt, der eigentlich sehr spannend klingt. Gemeint ist Rzheznikovas Idee, für die Produktion analoge Foto- und Filmkameras sowie echte Tonfiguren zu benutzen. Um das Ganze „authentischer“ und realistischer wirken zu lassen. Nur mussten Davide und Giovanni Cocchiara ihr klar machen: Das wird zu kompliziert. Trotzdem wollen sie einen Teil dieser Ideen beibehalten und am Ende eine digitale Lösung finden, die „den gleichen Effekt“ hat. 

Genau das sehen Davide und sein fünf Jahre älterer Bruder als Produzenten auch als ihre Aufgabe, wie er verrät. Dass sie die Visionen der Künstler soweit möglich technisch übersetzen. Aber ihnen auch klarmachen, was wirklich geht und was leider nicht. Um dann gemeinsam die beste Lösung zu finden. Das soll im Falle von Library of Dreams eine etwa 20-minütige Experience sein, die man sich im Sitzen mithilfe einer VR-Brille ansieht. Auch das dachte sich Jane Rzheznikova am Anfang etwas anders. Aber, so Cocchiara: „Wir haben uns entschieden, es so zu machen, dass es wirklich für alle zugängig ist.“ 

Das betrifft auch das Thema Interaktion. Und da stammt ihre Expertise bei Abduct Media daher, sagt er, dass sie von der Computerspiel-Entwicklung kommen. Ihr erstes Projekt war Interdimensional Mailmen, ein lustiges Spiel „zur Unterhaltung“. Also etwas ganz anderes. Aber er meint, dass man für die „Balance“ als Entwickler beides brauche, spaßige und ernste Themen. Ihr zweites Projekt, die investigative XR-Experience The Demise of the ISS Leonardo hatte dann schon politische und gesellschaftskritische Untertöne. Und das gehöre eben auch zu ihrer „Seele“: Komplexes Storytelling „mit politischen Themen“ zu kreieren. Was bei Library of Dreams neu ist: Das Ganze soll am Ende auch den Charakter einer Ausstellung haben, mit ergänzenden Objekten und Dokumentationsmaterial. Aber darum werden sich dann, so Cocchiara, Rzheznikova und Savelyeva kümmern.

Ihr Part bei Abduct Media ist dagegen wie gesagt die technische Entwicklung. Und da ist vorgesehen, dass die Experience am Ende aus fünf Teilen besteht. Einer „Eröffnung“, in der die Zuschauer die Protagonisten kennenlernen. In Teil 1, „Room“, wird ein „sicheres Zuhause“ simuliert, in dem man als Betrachter aber bereits das Gefühl bekommen soll, dass man beobachtet wird. In Teil 2, „Journey“, ist man unterwegs durch Traumlandschaften. In Teil 3, „Mirror“, geht es dann um den „introspektiven“ Blick in einen Spiegel und Fragen wie: Bin ich ein Teil des Bösen? Und in Teil 4, „Lake“, wird der See zum Symbol für das kollektive Unbewusste und das „tiefe Trauma“, das darin verborgen ist. 

Das klingt nach einer aufregenden, aber auch herausfordernden Erfahrung. Und da Library of Dreams auch auf anderen Festivals, in Museen oder Schulen gezeigt werden soll, gibt es ja vielleicht die Chance, es auch in München zu erleben. Oder in Nürnberg, wo die Cocchiara-Brüder gelandet sind, weil es im Italien zwar „eine große Filmkultur“ gäbe. Für „innovative Technologien“ wie XR sei es aber leider „nicht der richtige Ort“. Deshalb hätten sie sich in Europa umgeschaut. Und Deutschland hätte sich als „guter Kompromiss zwischen kultureller und physischer Distanz“ erwiesen. Auf der Münchner Games-Messe „GG Bavaria“ hätten sie dann den Gründer des Nürnberger Game Studios Pixel Maniacs kennengelernt. Und der bot ihnen sofort einen Platz in ihrem Co-Working-Büro an. Ein Glück für die Brüder, aber auch für uns. Weil sie mit Projekten wie „Library of Dreams” die bayerische XR-Landschaft sehr bereichern.    

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