Frau Buttinger, bei dem Film CORSAGE über Kaiserin Elisabeth stechen die Kostüme sofort ins Auge. War das ein absolutes Traumprojekt für eine Kostümbildnerin?

MONIKA BUTTINGER: Definitiv. Weil es ein Projekt mit Regisseurin Marie Kreutzer war, mit der ich sehr gerne und oft zusammengearbeitet habe, und weil ich dieses Drehbuch so wunderbar fand. Und der Film legt schon im Titel die Betonung auf das Kostüm. Das war sehr speziell.

Wie sind Sie bei der Recherche vorgegangen?

Die alten Sissi-Filme habe ich mir bewusst nicht angesehen. Ich habe mir viele historische Unterlagen, Modebücher und Modeskizzen aus der Zeit angeschaut, habe viel über Kaiserin Elisabeth gelesen und durfte mich mit einer Spezialistin des Wien-Museums zusammensetzen, die das Thema in- und auswendig kennt – nicht nur, aber auch die modische Seite.

Haben Sie sich dann an das historisch Verbürgte gehalten?

Nein. Mein Zugang ist immer, dass ich intensiv recherchiere und so gut wie möglich Bescheid weiß – um dann meine eigene Vision entwickeln zu können.

Vicky Krieps hat sich in ein Wespentaillen-Korsett gezwängt. Sie haben keine visuellen Effekte dafür eingesetzt. Sie musste sehr leidensfähig sein, oder?

Ja, und sie musste diese Corsage über einen längeren Zeitraum täglich tragen. Allerdings nicht den ganzen Tag über, es gab immer wieder größere Umbauten – und dann waren Kolleginnen sofort zur Stelle, haben das Korsett aufgeschnürt und sie konnte wieder frei agieren. Aber es war eine große Belastung für sie.

Mit BRUNO. DER JUNGE KREISKY haben Sie an einem weiteren historischen Film gearbeitet. Worin lag da der Reiz?

Bruno Kreisky war in Österreich eine prägende Persönlichkeit, aber über seine frühen Jahre wissen viele Menschen nur wenig. Dabei ist Bruno Kreisky einer der am besten dokumentierten Österreicher. Es gibt über ihn viele Bücher, auch seine Tagebücher aus dem Gefängnis wurden aufgelegt. Da kann man sich fein einarbeiten. Der Reiz lag darin, das so authentisch wie möglich umzusetzen, ohne die Vision und die Fantasie für einen zeitgenössischen fiktionalen Film zu verlieren.

Wieso könnte man die verlieren, wenn man alles authentisch umsetzt?

Weil man sich vielleicht zu sehr auf Dinge konzentriert, die für den Film nicht wichtig sind. Man muss immer die heutigen Sehkonventionen mitdenken. Es kann passieren, dass ein Kostümdetail authentisch ist, die Zuschauer aber irritiert und von der Handlung des Films ablenkt.

Können Sie ein Beispiel nennen?

Der Film PERLA spielt Anfang der 80er Jahre. Wenn man die Zuschauer durch die Kleidung – zum Beispiel die breiten Schultern – unbedingt darauf hinweisen wollte, dass der Film in dem Jahrzehnt spielt, könnte es passieren, dass sie an einem Kleidungsstück hängen bleiben und gar nicht verinnerlichen, was mit der Figur gerade passiert.

Bei dem Kinderfilm EIN MÄDCHEN NAMENS WILLOW haben sie auch fantastische Wesen gestaltet. In der Romanvorlage gibt es ein Zauberbuch namens Grimmoor. Im Film wurde eine Figur daraus. Wie haben Sie diese entwickelt?

Das war ein extrem lustvoller Prozess. Wir haben überlegt: Wie kann man ein Buch als Person darstellen? Da braucht es Materialien, die ähnlich sind wie Papier. Dann braucht es so etwas wie den Einband: Das könnte der Mantel sein. Der bekam dann noch goldene Prägungen – und so weiter. Der Entwicklungsprozess hat zwei, drei Monate gedauert. Ich habe übrigens geweint, als ich das Drehbuch gelesen habe, denn es berührt meiner Meinung nach so viele wichtige Themen für Kinder: Freundschaft, Familie, Lesen, die Wertigkeit von Büchern, den Umgang mit der Natur, auch den Umgang mit Menschen, die ein bisschen eigenwilliger sind.

Die Hauptfigur in GENTLE MONSTER spielt Weltstar Léa Seydoux. Wie haben Sie ihre Kleidung gewählt?

Bei GENTLE MONSTER ging es darum, eine angegriffene Frau zu zeigen – und nicht die wunderschöne, fast überideale Léa Seydoux. Es geht in dem Film um einen normalen Menschen in einer extremen Ausnahmesituation.

Aber in einer Ausnahmesituation liegt doch dieselbe Kleidung im Schrank wie sonst.

Ja, aber man wechselt vielleicht die Kleider seltener, überlegt sich nicht, wie man gerne aussehen möchte. Da gibt es zum Beispiel diese Hochzeit: Sie hat ein schönes grünes Seidenkleid an, aber diesen Lederjacken-Panzer darüber. Das würde man in einer anderen Situation wahrscheinlich nicht so kombinieren. Die Lederjacke wurde von einer sehr teuren Marke aus Österreich gesponsert, die ich im Vorfeld dafür gewonnen habe, mit uns zusammenzuarbeiten. Die Budgets sind ja immer überschaubar.

Jedes Kleidungsstück Ihrer Figuren hat eine narrative Bedeutung. Aber manche Menschen machen sich viel weniger Gedanken über ihre Anziehsachen als andere. Wie wählen sie die Kleidung für solche Figuren?
Was einen großen Teil meiner Arbeit ausmacht, ist es, Menschen zu beobachten. Das mache ich gern, und wenn ich ein Drehbuch im Kopf habe, finde ich bei bestimmten Personen im Alltag kleine Details, die ich mit Charakteren in Verbindung bringe. Aber dann gibt es noch die Körperlichkeit der Schauspieler*innen. Oft hat man eine Idee im Kopf, und dann kommt eine Person, schaut ganz anders aus oder bewegt sich ganz anders, als man sich das vorgestellt hat, und man kann seine Idee verwerfen. Natürlich fragt man lange im Vorfeld Maße an und studiert die Schauspielerinnen in anderen Filmen. Und trotzdem steht dann manchmal jemand vor einem und man ist überrascht. Manchmal entwickeln sich also die Dinge während der Kostümproben in eine andere Richtung.

Wie viel Mitspracherecht haben die Schauspielerinnen und Schauspieler?

Grundsätzlich werden die Entscheidungen von mir und der Regisseurin oder dem Regisseur getroffen. Aber wenn eine Schauspielerin von bestimmten Kleidern blockiert wird, versucht man, miteinander eine Lösung zu finden. Oft ist aber das Gegenteil der Fall und die Schauspielerinnen sind total glücklich, weil sie über die Kostümproben ein Gefühl für die Figuren kriegen.

Sie müssen ihre Ideen mit der Regisseurin und anderen Gewerken wie Kamera und Szenenbild abstimmen. Das ist potenziell konfliktreich, oder?

Da geht es nicht um Eitelkeiten, sondern darum, dass die Visionen aller Beteiligten zusammenfinden, dass man an das Ganze denkt. Konflikte spielen sich in meinem Fall eher dort ab, wo es um Budgets und Zahlen geht.

Wird dem Kostüm in der Filmbranche die Bedeutung zugemessen, die es verdient?

Nein. Ich glaube, das liegt auch daran, dass das Gewerk Kostüm hauptsächlich von Frauen bekleidet wird und wurde. Das gleiche gilt für Maske und Szenenbild. Aber ich möchte betonen: Das ist Jammern auf hohem Niveau und da ist sehr viel im Umbruch – im Positiven.

Wie sind Sie zu dem Berufswunsch Kostümbildnerin gekommen?

Ich war ein sehr modeaffines Kind. Ich komme aus einer Familie mit fünf Kindern, das Haushaltsbudget war nicht üppig, also hat meine Mutter viel für uns genäht. Das hat mich schon früh interessiert. Und ich habe als Kind schon eigene Teile tragen dürfen, die meine Mutter entwickelt hat und bei denen ich manchmal ein Mitspracherecht hatte. Als Teenager habe ich viel von meinem Taschengeld in Mode oder spezielle Schuhe investiert. Mit 13 habe ich dann FELLINIS CASANOVA gesehen. Ich fand die Kostüme von Danilo Donati besonders und aufregend und dachte: Das ist genau das, was ich machen möchte. Dann habe ich überlegt, wie ich zu diesem Berufsziel kommen könnte.

Der Weg führte über die Kunstgewerbeschule und ein Modedesignstudium.

Es gibt leider in Österreich keine Ausbildung zur Kostümbildnerin – erstaunlicherweise, weil wir neben der Filmbranche auch ganz viele Theater haben. Deshalb musste ich einen Umweg nehmen. Beim Modedesign-Studium in Hetzendorf habe ich schon Filmkollektionen gezeichnet. Und im Nachhinein gesehen habe ich viel Glück gehabt, weil ich mir über diese Ausbildungen viele Tools erarbeiten konnte, die ich sehr gut brauchen kann. Ich habe zum Beispiel ein Jahr lang Lederverarbeitung gelernt. Ich könnte jetzt zwar keine tollen Taschen anfertigen, aber ich weiß vom Prinzip her, wie das funktioniert. Und damit weiß ich auch oft, was leicht möglich ist und was sehr aufwendig. Das ist in unterschiedlichen textilen Bereichen so.

Wie ging es dann beim Film für Sie los?

Mit einem Zufall. Ich habe einen Bekannten auf der Straße getroffen, der mir erzählt hat, dass ein guter Freund von ihm seinen ersten Kinofilm macht, GELBE KIRSCHEN. Und ich habe gesagt, das ist mein Traum. Wir haben dann zusammengefunden. Die leider kürzlich verstorbene Produktionsleiterin Monika Maruschko hat mich damals gefragt: Kannst du das? Ich habe ja gesagt, und sie antwortete: Gut, dann wirst du es machen. Sie wurde meine Mentorin.

Sie hatten keine Zweifel, dass Sie das schaffen?

Nein. Ich wusste aber erst nach der Zusage, wer die Schauspieler waren: Josef Hader, Erwin Leder, Maria Hofstetter, Georg Friedrich, Martin Puntigam. Da wurde ich schon nervös. Josef Hader hat mir im Nachhinein erzählt, dass er sich amüsiert hat, weil ich so unglaublich nervös war, als wir uns das erste Mal gegenüberstanden. Ich habe ihn als Kabarettist wirklich verehrt. Bei der Produktion gab es dann viele Abläufe, die mir nicht so geläufig waren, aber ich hatte Gott sei Dank eine erfahrene Assistentin.

Sehen Ihre Kostüme auf der Leinwand immer so aus, wie Sie es sich vorgestellt haben?

Ich sehe beim Dreh immer die Dailies, also die Aufnahmen, und manchmal dreht man dann noch an ein paar Schräubchen. Wenn man zum Beispiel feststellt, dass eine Farbe ein schöner Kontrast zu einem Raum ist, setzt man sie vielleicht öfter ein. Im Vorfeld finde ich Kameratests ganz essentiell. Da bekommt man ein Gefühl, wie alles wirkt. Aber diese Kameratests gibt es nicht immer – aus Kostengründen. Außerdem müssen dafür die Schauspielerinnen verfügbar sein. Im Zweifelsfall macht man die Kameratests mit Doubles, auch wenn das nicht ideal ist.

Welches Projekt würden Sie gern noch machen?

Ein Steckenpferd von mir sind die 1920er. Die habe ich bei BRUNO. DER JUNGE KREISKY ein bisschen gestreift, vor allem im Arbeitermilieu. Was ich gern noch machen würde, ist ein Western, und zwar aus einem europäischen Kontext heraus. Damals sind ja viele europäische Einflüsse nach Amerika gewandert. Man müsste also in einem Western nicht alles so stereotyp darstellen, wie wir es verinnerlicht haben.

Liebe Leser*innen,

der Kinosommer und -herbst kann kommen! Der perfekte Urlaub, Das gewisse Etwas und Steckerlfischfiasko sowie Bibi Blocksberg – Die verrückte Zeitreise starten in den nächsten Monaten. Diese und die folgenden 16 Kinofilme hat der FFF Vergabeausschuss für die Film- und Fernsehförderung gestern im Bereich Verleihförderung empfohlen: Corpus Delicti, The Uprising und Jennerwein – Hochsaison (Leonine Studios), Lieblingsmenschen (X Verleih), Cliffhanger (Studiocanal), Mädchen in Uniform (Tobis), Kochschule Schwarz und Geister (Warner), Frau Winkler verlässt das Haus (Wild Bunch Germany), Gentle Monster (Alamode Film), Erinnerungen eines Waldes (Filmperlen), Tun und lassen (Filmwelt Verleihagentur), Das Geheimnis der gestohlenen Maske (Farbfilm), Kalter Hund (Weltkino), Wer weiß schon, was ein Leben ist? (W-Film Distribution) und Im Umkreis des Paradieses (Across Nations Filmverleih).

Insgesamt hat der Ausschuss gestern 41 Projekte mit 3,7 Mio. Euro empfohlen.

Nun stehen in Bayern die Sommerferien vor der Tür, und wir freuen uns auf das Kino Open Air in Starnberg sowie das 20. Fünf Seen Film Festival. Überhaupt gibt es in diesem Jahr etliche erfreuliche Jubiläen: der FFF Bayern ist 30 Jahre alt geworden, ebenso wie Crew United, das Breitwand Kino wird 40, genau wie die Medientage München, die sich in diesem Jahr der digitalen Souveränität und technologischen Unabhängigkeit der Medienbranche widmen. Und die Hofer Filmtage werden 60!

Ich wünsche Ihnen eine gute Lektüre dieser Film News Bayern-Ausgabe und freue mich, wenn wir uns im Kino sehen!

Ihre Dorothee Erpenstein

Wir haben heute Tag 1 nach dem Festival. Wie gehts Euch?

Christoph Gröner: Wir sind euphorisch, glücklich und natürlich auch müde. Aber wir können noch gar nicht richtig loslassen, weil die letzten zehn Tage einfach sehr intensiv und inspirierend waren…

Julia Weigl: Erstmal schnaufen wir kurz durch und verarbeiten das Erlebte. Wir gehen sehr inspiriert aus dieser Edition und waren direkt auf dem Kulturempfang der Landeshauptstadt München unterwegs und eröffnen das Open Air auf dem Königsplatz. Denn nach dem Filmfest heißt direkt vor dem Filmfest.

Egal wo man war, Ihr wart schon da oder kamt sogleich, wie zwei Drohnen, die über dem Festival fliegen. Wie war Euer Blick von dort aufs Festival?

JW: Wir wollen einfach so viel Support wie möglich zeigen während dem Filmfest. Da ist es uns wichtig, so viele Veranstaltungen wie möglich zu besuchen.

CG: Natürlich schaffen wir leider nie alle. Aber der Blick auf alle Events, die im Rahmen des Filmfests stattfinden, ist fantastisch. Wir haben tolle Begegnungen erlebt, viele Gespräche geführt und wollten natürlich dort sein, wo zum ersten Mal wieder neue Begegnungsmomente kreiert wurden, auf neuen Parties und bei besonderen Diskussionen und Empfängen, ob zur Feier des Minitraité oder bei unserem erstmals stattfindenden Pitching-Format First Cut+.

JW: … und was uns am meisten freut: die Stimmung war positiv und der Zukunft zugewandt!

Viele Vorstellungen wirkten extrem voll. Wie hoch war die durchschnittliche Auslastung?

CG: Tatsächlich hatten wir eine beeindruckende Auslastung in diesem Jahr, der Zuspruch von Branche und Publikum war immens! In der Reihe Neues Deutsches Kino war es besonders hoch. Da lag die Auslastung bei 80%. Aber wir haben quer durch alle Reihen deutlich zugelegt.

JW:  Wichtig bleibt uns gleichzeitig, besondere Momente zu kreieren, die ein konzentriertes Publikum erreichen. Die Ausstellung zu Krakatoa im Haus der Kunst ist da ein fantastisches Beispiel. In einem kleineren Ausstellungsraum kamen über mehrere Tage ständig neue Besucher zusammen – diese Form von Genauigkeit neben den großen Kinosälen macht unsere Mischung aus.

Das Wetter ging diesmal von Rekordhitze über Starkregen in angenehme trockene Wärme über. Welche Auswirkungen hatten diese Schwankungen auf den Verlauf der Edition?

JW: Die sommerliche Hitze gehört mittlerweile zur Identität und Atmosphäre des Filmfests. In den letzten Jahren sind wir immer mit rund 35 Grad gestartet. Da kühlt man sich gerne im angenehmen Kinosaal ab. Festival bedeutet immer auch Rock’n’Roll und Improvisation, das hat auch diese Edition wieder gezeigt. Da müssen Fotosituationen wegen Gewitter spontan komplett umgebaut werden, Flüge umgebucht und nasse Gäste wieder ins Trockene gebracht werden.

CG: Da sind wir unheimlich stolz auf unser ganzes Team, das wirklich auf jede Witterung und Veränderung mit viel Energie und Kreativität reagiert!

Wie hat sich die HFF München als neues Festivalzentrum bewährt?

CG: Wir haben die HFF München für diese Tage zum Epizentrum der deutschen Filmindustrie gemacht, alle Förderer, alle Sender waren hier bei Empfängen und Diskussionen vertreten. Das ist natürlich ganz im Sinne der Mission und des Selbstverständnisses der HFF, den Nachwuchs mit der Branche zusammenzubringen. Wir sind als Festival einfach dankbar, dass es da diese große Offenheit von Präsident Daniel Sponsel, Kanzlerin Gilla Sommerrock, dem Kollegium und den Studierenden dafür gibt.

JW: Für diese Zeit wird die HFF transformiert und bildet mit dem Amerikahaus zusammen, in dem es mehr Publikumsformate gibt, wirklich ein pulsierendes Festivalzentrum im Kunstareal. Damit ist Platz für alle Bedürfnisse von Filmkultur und Filmbranche, auch der in Ausbildung.

Was hat aus Eurer Sicht bei den Industry Days unter der neuen Leiterin Alina dieses Mal besonders gut funktioniert?

JW: Sehr, sehr vieles. Sie hat mit frischem Blick unserem Industrieprogramm eine vertiefte, genaue Struktur gegeben, an vielen Stellschrauben gedreht. So wurde einfach sehr schnell viel sichtbarer, was München seit Jahren prägt: Wir sind die Nr. 1 Plattform des deutschen Films und bieten internationale Vernetzung.

CG: Wir sind über diesen Zuspruch sehr dankbar, und sehr glücklich, dass Alina Götzlich nach ihren Anfängen bei uns jetzt zu uns zurückgekehrt ist – und damit das Filmfest bereits sehr gut kannte. Insofern ist auch diese wichtige Harmonisierung nach Innen aus dem Stand wunderbar geglückt. Und auch auf der internationalen Ebene sind alle Elemente gewachsen, von der CineCoPro Conference bis hin zu unserer ersten Edition von First Cut+.

Was waren bei den ganzen Branchentalks immer wiederkehrende Themen?

JW: Überall wird nach frischen Ideen gesucht, nicht nur der Status Quo dokumentiert. Von der Creators Conference ganz am Anfang zu Ideen für junge Produktionsweisen am Ende der Woche war dies überall spürbar. Es geht immer um Zukunftsperspektiven!

CG: Und natürlich ist klar, dass die Themen Investitionsverpflichtung und Jobs in der Film- und Medienbranche überall diskutiert werden. Zum Glück mit einer guten Portion Optimismus.

Wie wurde das Angebot von Isar Jump und Yoga angenommen?

CG: Diese Angebote betonen die Sommerlichkeit unseres Festivals, unsere lockere Atmosphäre, die Zugänglichkeit von uns als ganzes Team. Wir haben beim Sprung in die Isar Gäste aus NRW und Hamburg erstmals kennengelernt und sogar eine Vertreterin einer indischen Postproduktions-Firma.

JW: Wichtig ist dabei, dass wir möglichst viele Momente der Begegnung schaffen wollen. Die gibt es auch vor den Kinos, in den Gärten von HFF und Amerikahaus, am Pavillon 333 und an vielen weiteren Orten. München steht für diese Momente der lockeren Zufallsbegegnung, aus denen Kreativität und Vernetzung entsteht. Kurze Distanzen, große Wirkung.

Welchen Mehrwert bildet die Initiative Munich Beyond für das Filmfest München?

CG: Im Jahr 2019 hat das Filmfest München einmal allein eine Reihe für XR auf die Beine gestellt. Daher wissen wir: Dieses fantastische, innovative Experimentierfeld ist kapitalintensiv und braucht besondere Betreuung und Expertise. Das ist einfach auf vielen Schultern viel besser verteilt. Und da sind wir für unsere Kooperationspartner sehr dankbar: vom Festival der Zukunft, XR Hub Bavaria, FFF Bayern, bis hin zum Residenztheater.

JW: Das Festival der Zukunft hat fast 15.000 Besuche gezählt, viele davon bei unserem gemeinsamen XR-Sektion Munich Beyond. Gemeinsam können wir zeigen, was der Medienstandort München bzw. Bayern alles zu bieten hat. Dieser Zeitraum im und am FILMFEST MÜNCHEN bietet uns die Möglichkeit, alle erzählerischen und technischen Möglichkeiten auszuloten, zu feiern, weiter zu diskutieren und zu entwickeln.

Es war übrigens nach meiner Einschätzung das erste Mal, dass ein parallel stattfindendes sportliches Großereignis überhaupt niemals Thema und komplett egal war. Filmfest war einfach wichtiger. Wie habt Ihr das geschafft?

CG: Die späten Spielzeiten haben uns natürlich in die Karten gespielt, da war der Fokus einfach komplett auf dem Filmfest. Zu keinem Zeitpunkt war es ein Thema bei den Teams, die Premiere hatten. Und bei den nächtlichen Empfängen und Partys konnte ab und zu nebenbei Fußball geguckt werden.

JW: Dass die Kinos noch einmal in einem WM-Jahr voller wurden, ist schon sehr toll für uns. Eine noch genauere Kommunikation auf Social Media und über andere digitale Kanäle – wir haben zum ersten Mal auch einen Filmfinder angeboten, ein KI-gestütztes Tool zum Empfehlungsmanagement – hat da sicherlich geholfen.

Hattet Ihr persönliche Lieblingsmomente?

JW: Die Begegnung mit Pedro Almodóvar war einzigartig. Viele aus dem Team hatten sich unheimlich auf ihn gefreut, mich eingeschlossen. Denn seit vielen Jahren begeistert er uns alle mit seinen großartigen und sehr eigenwilligen Kinovisionen. Ihn das allererste Mal in der Stadt von Rainer Werner Fassbinder begrüßen zu dürfen, war ein außergewöhnlicher Moment.

CG: Und am Ende der Woche David Duchovny in München, der ebenfalls endlos lange Autogramme gab und dann auf wunderbare Art und Weise poetisch und anti-trumpisch über die Kraft des Verlierens sprach, war ziemlich magisch. Als wir fertig waren mit diesen zehn Tagen, konnten wir kaum fassen, wer alles tatsächlich seinen Weg nach München gefunden hatte. Toni Servillo, Haley Bennett, Ira Sachs und Arnaud Desplechin, Sandra Hüller und Paweł Pawlikowski. Und so viele mehr.

Nun geht es gleich an die Arbeit für das Festival of Future Storytellers im November. Was könnt Ihr uns jetzt schon zum Planungsstand sagen?

JW: Das Festival ist unsere große Spielwiese, bei der uns immer die Frage leitet: Wie inspirieren wir die neue Generation junger Filmemacher:innen, wie feiern wir sie? Wir haben schon erste Ideen für interessante Labs und neue Formate …

CG: Aber dazu müssen wir uns als Team kurz sammeln. Klar ist: Wir wollen allen Studierenden aus dem ganzen deutschsprachigen Raum die Möglichkeit geben, mit jungen Gästen aus aller Welt ihre Werke zu diskutieren und zu feiern. Dieser globale Austausch mit den Talenten als unsere Stars, ganz im Zentrum, macht uns in Deutschland einzigartig.

Außerdem war zu hören, es würde wieder eine Tagung zu Diversität in Tutzing geben. Könnt Ihr uns hierzu schon was verraten?

JW: Wir wurden von vielen Branchenvertreter:innen angesprochen, dass es an der Zeit ist, dass wir die Tagung wieder durchführen. Unsere Demokratien sind noch mehr in Gefahr, das Thema Diversität und Teilhabe rückt wieder in den Hintergrund. Da wollen wir gemeinsam mit wichtigen Menschen aus der Filmbranche und Kulturexpertinnen darüber sprechen. Und natürlich wieder an unserem magischen Ort, der Evangelischen Akademie Tutzing.

Und welche Festivals besucht Ihr in den nächsten Monaten, um das 44. Filmfest München vorzubereiten?

CG: Los geht es für uns wieder mit Venedig Anfang September, der beste Zeitpunkt, um das Filmfest mit etwas Abstand Revue passieren zu lassen und für die neue Edition wieder loszulegen.

JW: Für mich geht es im Anschluss direkt nach Toronto, denn der neue tiff – the market interessiert uns natürlich sehr!

Der Creative Europe München Desk informiert und berät zu den Fördermöglichkeiten des Programms Creative Europe MEDIA, mit dem die Europäische Kommission die Film- und Games-Branche unterstützt.

Förderergebnisse im Bereich Innovation

Neben der Unterstützung in der Entwicklung, Produktion und Distribution von Filmen und Games fördert Creative Europe auch Softwarelösungen oder neue Geschäftsmodelle für die Film- und Gamesbranche – und zwar über die Schienen „Innovative Tools and Business Models“ und „Creative Innovation Lab“.

Die Ergebnisse 2026 für „Innovative Tools and Business Models“ zeigen, dass bayerische Unternehmen im gesamteuropäischen Vergleich hervorragend abschneiden und damit einen mehrjährigen Trend fortsetzen. Unter den elf europaweit geförderten Projekten dieser Förderlinie sind vier deutsche Unternehmen vertreten. Davon kommen drei aus Bayern und erhalten insgesamt 2.583.453 Euro, was 25 Prozent der in diesem Call europaweit vergebenen Fördermittel entspricht.

Die Münchener Remote Control Productions GmbH konnte mit ihrem Angebot zur datenbasierten Marktanalyse für europäische Games-Entwickler*innen überzeugen, die diesen unter anderem erstmals die Automatisierung der regionalen Preisgestaltung in mehr als 40 europäischen Territorien ermöglicht, und erhält dafür 874.430 Euro.

Die Benjamin Lochmann New Media GmbH aus Nürnberg wurde wie bereits 2023 mit ihrem „Contacts Tool“ gefördert. Die Weiterentwicklung des Influencer-Marketing-Tools für die Kampagnen von Videospielen wird mit 846.817 Euro unterstützt.

An Stream-Punk GmbH in Eurasburg gehen 862.206 Euro für ihr Livestream-Overlay Tool, mit dem europäische unabhängige Game Studios mit ihren Zielgruppen während Livestreams auf Twitch, You Tube Live und bei Gaming Events direkt interagieren und die Nutzerdaten analysieren können. Damit werden Marketing Tools für unabhängige europäische Entwickler zugänglich, wie sie bisher nur den großen außereuropäischen Playern zur Verfügung standen.

Förderergebnisse European Slate Development

Drei unabhängige Produktionsfirmen aus Bayern erhalten 2026 Förderung im Bereich „European Slate Development“, welche die Entwicklung von drei bis fünf Projekten unterschiedlicher Genres und Formate unterstützt: Die Claussen+Putz Filmproduktion GmbH und die Maze Pictures erhalten jeweils 270.000 Euro für die Entwicklung ihrer Slates von Projekten; die Lieblingsfilm GmbH 255.000 Euro. Europaweit wurden 2026 fast 300 Slate Development Förderanträge gestellt, von denen 96 gefördert werden konnten.

Neue Förderaufrufe 2027

Die Einreichfristen für die Creative Europe MEDIA-Förderaufrufe 2026 sind abgelaufen.

Ende September 2026 werden die neuen Förderaufrufe für das Förderjahr 2027 erwartet – für Updates abonnieren Sie gerne unseren Newsletter oder schreiben Sie uns eine kurze E-Mail um in unseren Verteiler aufgenommen zu werden.

Einen Überblick über die verschiedenen Förderschienen erhalten Sie in unserer aktuellen Get Funded-Broschüre oder auf unserer Homepage.

Auf folgende Förderlinien können sich deutsche Antragsteller 2027 bewerben:

Unabhängige Produktionsfirmen können European Slate Development oder European Co-Development (Entwicklungsförderung) und TV and Online Content (Produktionsförderung) beantragen.

Als Game-Studio ist die Förderschiene Video Games and Immersive Content Development für Sie relevant.

Für Verleih und Vertrieb gibt es die Förderlinien European Film Distribution, European Film Sales sowie Films on the Move, während Kinobetreiber:innen sich um Aufnahme in das unter Networks of European Cinemas geförderte europäische Kinonetzwerk Europa Cinemas bewerben können. Filmfestivals können 2027 wieder die European Festivals-Förderung beantragen.

Förderschienen für digitale Innovation sind Innovative Tools & Business Models sowie Creative Innovation Lab.

Fortbildungsangebote für die europäische Film- und Gamesbranche werden von Creative Europe unter Skills & Talents Development gefördert; der Call Audience Development & Film Education unterstützt Initiativen zur Publikumsgewinnung und  -bindung und Filmbildung.

Außerdem bietet Creative Europe Förderung im Bereich der Nachrichtenmedien, Desinformations-Bekämpfung und Medienkompetenz an. Ausschreibungen sind 2027 geplant in den folgenden Bereichen: NEWS – Media Literacy sowie NEWS – Journalism Partnerships – Collaborations / Pluralism.

Wie kann man das Feedback von Communities, die Filme und Serien nicht nur passiv konsumieren, sondern sich auf Social Media aktiv über diese austauschen und Inhalte teilen, in den Prozess der Entwicklung von Filmen und Serien einbeziehen?

Für das Panel „Rewriting the Creative Process? Wenn das Publikum mitentwickelt“ befragte Moderator Gerhard Maier (Seriencamp) dazu auf der Bühne des Kino 1 der HFF München zwei international erfahrene, maßgebliche Stimmen aus Europa:

Maria Cervera, freie Produzentin und Creative Consultant mit beruflichen Stationen u.a. bei Paramount International (mit Projekten wie Simon Beckett‘s Die Chemie des Todes) und Netflix (wo sie spanischsprachige Serien wie Elite oder Die Telefonistinnen kreativ betreute); sowie Claudia Blümhuber, Showrunnerin und Regisseurin u.a. der Emmy-gekrönten Serie Fallen und Geschäftsführerin der Silver Reel Partners, die hinter Golden Globe-Gewinnern und Oscar-nominierten Erfolgen wie Die Frau des Nobelpreisträgers und Loving Vincent steht.

Hier geht es zu einem ausführlichen Rückblick des Events auf der Homepage der Creative Europe Desks Deutschland.

Gerade in unserer sich ständig wandelnden Branche können Fortbildungen, Seminare und Workshops dabei helfen, informiert zu bleiben und neue Potentiale auszuschöpfen. Zugleich bieten internationale Weiterbildungen auch die Gelegenheit zum Knüpfen nachhaltiger Kontakte mit Kolleg:innen im Ausland.

Creative Europe MEDIA unterstützt aktuell 75 verschiedene Weiterbildungsangebote für Professionelle der europäischen Film- und Gamesbranche: vom Script Development für Kinderfilme bis zum souveränen Verhandeln von Verträgen.

In unserer aktuellen Broschüre haben wir die vielfältigen Angebote in ganz Europa für Sie auf einen Blick zusammengestellt. Im Folgenden finden Sie einen kleinen Einblick in die Angebote für die einzelnen Zielgruppen.

DREHBUCHAUTOR*INNEN

… haben die Qual der Wahl unter einer Vielzahl von Angeboten, häufig ergänzt um thematische Blöcke für Produzent*innen. Wer Komödien schreibt, findet u.a. beim ComedyLab des Torino Film Lab oder bei MIDPOINT – Feature Launch Unterstützung für die weitere Drehbucharbeit. Projekte für Kinder können Autor:innen u.a. bei Cinekid Script Lab einreichen.

REGISSEUR*INNEN

… können sich projektbasiert u.a. beim FeatureLab (TorinoFilmLab) und Cinekid Directors LAB weiterbilden. Filmemacher, die vor ihrem ersten oder zweiten Spielfilm stehen, können sich für das vom Filmfestival von Cannes ausgerichtete Programm The Residence bewerben und ihren Stoff in Paris entwickeln.
Auch einige der oben erwähnten Programme für Drehbuchautor*innen haben Module für die Regie.

ANIMATIONSFILMSCHAFFENDE

… im Nachwuchsbereich profitieren von Kursen bei Cartoon Springboard. Erfahrende Produzent:innen und Filmemacher:innen finden u.a. bei Cartoon Next und Cartoon Business neue Impulse für Entwicklung, Produktion und Marketing von Animationsprojekten und IPs. Bei der Entwicklung von Buchadaptionen für Kinder hilft das Scriptwriting and Concept Development an der La Poudrière.

Eine Woche, nachdem der Vergabeausschuss fünf XR-Vorhaben mit insgesamt 360.000 Euro förderte, lud der FFF Bayern die XR-Szene und Fachbesucher*innen des Festivals der Zukunft sowie des Filmfests München zum Netzwerken ein. Das XR Meet & Mingle 2026 mit rund 100 Gästen fand zum 5. Mal statt und läutete die diesjährige Auflage von Munich Beyond ein, eine Initiative, an der fünf Institutionen zusammenwirken: FFF Bayern, XR Hub Bavaria Residenztheater München, Festival der Zukunft und Filmfest München. 

Beim 41. DOK.fest München 2026 liefen acht FFF-geförderte Dokumentarfilme und eine geförderte XR Experience, am Ende gab es sechs Auszeichnungen für geförderte Projekte. Der FFF Bayern hat die 41. Edition im Rahmen der bayerischen Filmfestivalförderung unterstützt, gefördert wurde auch eine Fachveranstaltung zur Filmvermittlung im DOK.forum. Das Creative Europe Desk München war mit zwei Formaten und die Film Commission Bayern in einem Workshop über Gaussian Splatting jeweils im DOK.forum vertreten. Die Teams und weitere Fachbesucher*innen der Edition sowie die neuen Festivalleiterinnen Adele Kohout und Maya Reichert nahmen einen Tag nach der Eröffnung am FFF Empfang im Amerikahaus teil.